cine, vicio, subcultura

Informe de seguimiento de webs manganime 2011

2012-01-14T08:16:00.003+01:00

El año pasado a mi buen amigo Yume, le gustó mucho la idea del seguimiento de webs manganime de 2010, así que he pensado en volver a repetir la idea. La cuestión es simple: tener informado a los lectores de tierras de cinefagia, sobre el mundillo del manga y del anime.

El blog de Yume, siempre ha sido muy ecléctico y creo, sin miedo a equivocarme, que muchos de vosotros estáis interesados en el mundo del cómic y/o de la ilustración. Y quizás el tema del manga os dé reparo o simplemente no tenéis a nadie que os "inicie". Así que continuaremos con la estela formada el año pasado y valoraremos varias páginas más sobre este mundillo.

Los blogs y webs que os enuncié el año pasado, siguen partiendo la pana en el mundillo. Ramen Para Dos y Mision Tokyo, son las 2 páginas de referencia a la hora de estar informado en lo que se refiere a manga y anime (aunque si también sois "jugones" podéis estar mínimamente informados sobre algunos videojuegos y consolas).

- Masters of Manga:
El año pasado ya os dejé caer esta iniciativa particular del conocido traductor, Marc Bernabé. No se me ocurre nadie mejor que él, para desplazarse al país nipón para entrevistar en persona a los mangakas más reconocidos internacionalmente y considerados "masters": Leiji Matsumoto, Shuho Sato, Hiroshi Hirata, Ken Akamatsu... Podremos ver videos y demás información que nos va dejando periódicamente, siempre que su trabajo se lo permite.

Puntos a favor: Creo que es una de las mejores iniciativas que conozco para poder dar a conocer el manga y la animación japonesa de manera directa y audiovisual
Puntos en contra: Que no sabemos a donde llegará esta iniciativa: ¿publicación de un libro o algo parecido?

- Apuntes de Japón:
Otra iniciativa, esta vez, desinteresada de Marc Bernabé. El autor del libro Apuntes de Japón (Editorial Norma) ha decidido ir publicando en un blog todos aquellos capítulos que se publicaron en aquel libro allá por 2001-2002. Entiendo que, aunque la información no esté actualizada a éste 2012 en el que estamos, creo que nos puede servir de ayuda para todos aquellos que podemos estar pensando en ir a hacer un viaje por Japón y nos interesa además el mundo "friki" del manga, anime y demás.

Puntos a favor: Que es una iniciativa desinteresada de un libro que, a fecha de hoy puede comprarse en librerías.
Puntos en contra: Que la información quizás esté algo anticuada hoy en día en algunos aspectos.

- El Manga que Sólo Dios Conoce:
El blogger chussetto dejó en "hiatus" su blog, pero no tardó en volver con este otro blog que se actualiza a diario... Este joven "médico", amante de la obra de Mitsuru Adachi, pone toda la carne en el asador e irrumpe con fuerza en el mundillo bloggeril ofreciendo bastante información sobre las novedades más interesantes del manga y anime japonés de una manera desenfadada pero contundente. Reseñas y opiniones de manga, anime, noticias, sobre lo que ocurre en el mundillo. Un aficionado con conocimiento que nos cuenta su visión y opinión de las obras que parten la pana en el país nipón.

Puntos a favor: Actualizado periódicamente con opinión e información a partes iguales
Puntos en Contra: Que no conozca personalmente a Chussetto.

- Una Pareja Otaku:
No sé por qué el año pasado no los incluí en el listado de 2010, pues es un blog que suelo visitar con frecuencia. No esperéis un blog actualizado a diario como RP2 o MT. Precisamente es un blog gestionado por una pareja a los que les gusta el manga, el anime y los videojuegos. Suelen tocar estos temas pero si se les pone un "dorama" por medio o una serie americana también lo reseñan en su blog. Al igual que chussetto, son PRO-ADACHI, les gusta mucho Mitsuru Adachi (tanto o más que a mí) y desde su blog animan a las editoras de nuestro país a que nos publiquen alguna de sus obras.

Puntos a favor: La manera de reseñar y dar su opinión hace que quieras seguir leyendo su blog
Puntos en contra: Que no son muy pródigos en hacer muchas reseñas al año (Por decir algo negativo... :P) y no podamos disfrutar más de sus aficiones.

- Mechanical Japan: Es una página para promocionar las diversas figuras basadas en animes, manga y/o videojuegos del país nipón, además de ver los últimos modelos de "mechas" (Gundam y demás). Iniciativa del "director" Alberto Martínez y su compañera.

Hasta hace poco publicaban una revista on-line que leían muchísimos aficionados, disponen de un foro y acaban de abrir la sección "Mini": un blog para los aficionados a los anime y videojuegos, principalmente.

Puntos a favor: Si quieres saber las figuras que saldrán en unos meses a la venta en Japón, esta es tu página
Puntos en contra: Si no estás interesado demasiado en las preciosas figuras que hacen en Japón... no te llamará demasiado.

Y como no, también podéis visitar mi blog, Los Mangas de Max, que aunque sea humilde, ya llevo reseñadas bastantes obras publicadas en nuestro país (y algunas que no) sobre todo del género adulto seinen y algo de shonen, más para adolescentes, y que os pueden servir de guía para decidiros a comprar algún manga y entrar en este mundillo tan fascinante como cualquier otro (cómic americano, europeo,…)

Dejo en vuestras manos, opinar sobre mi blog . Uno de los puntos débiles es no poder actualizarlo todo lo que me gustaría.

Y hasta aquí ha llegado la recopilación de blogs de 2011. También os recomiendo que visitéis la lista de 2010, pues la mayoría de estos blogs siguen publicando habitualmente y sirven de referencia. Esperemos que para 2012 aparezcan nuevos blogs, nuevas ideas originales y diferentes que nos enriquezcan personalmente, como otros tantos blogs que hay en la blogosfera. Si necesitáis alguna ayuda u opinión sobre algún tema relacionado con el manga y el anime, ya me indicaréis.

Mata Ne!!!

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sobre finales incruentos, cambios de paradigma y adoración ciega a Kurt Sutter

2011-12-12T17:57:00.003+01:00

El arrollador e impredecible giro en el último capítulo de la cuarta temporada de Sons of Anarchy me devuelve la esperanza en la humanidad de nuevo. O al menos me permite agachar la cabeza con un humilde “no somos dignos” delante de Kurt Sutter, creador de esta maravilla.

Y es que todo parecía ir abocándose a una tensión disruptiva sin precedentes. Se oteaba el final definitivo de la serie, y además a través de un gran estallido de violencia y su consecuente miseria. Y más teniendo en cuenta que SOA no funciona con el modelo Dexter de provocar una serie de inconvenientes, que se agravan a cada paso del protagonista, para desvanecerse catárticamente al final. Los personajes de Sons of Anarchy no retroceden nunca y la redención no es posible, y la trama estaba llevando hacia un enfrentamiento multilateral del que parecía imposible que nadie saliera indemne. Pero la maestría del señor Sutter guionizando y dirigiendo ese doble finale “To Be – Part 1 y 2” hace que esa única salida "incruenta" que encuentran (aún a costa de acabar con toda seguridad con su propio personaje Otto Delaney), sea el motor de un nuevo paradigma dentro de la historia y la mismísima jerarquía de los SAMCRO.

Pero lo mejor de todo es que ese giro se da justo al principio de ese capítulo final. No le es necesario esperar a la última escena (como lo que sucede al final de la tercera temporada, cuando el espectador es el último en sonreír al descubrir que es también el último en conocer el plan que han urdido Jax y su gente). Las cartas quedan sobre la mesa desde el inicio: y entonces no hay presión, sólo un lento y meditado lesser fer en el que los personajes se resitúan por su propia inercia en las trincheras que se han ido cavando y van aceptando que deben empezar a acomodarse en ese nuevo nicho.

Justo cuando parecía que el MC (y la propia serie) se estaba acabando, entonces ésta nos hace un guiño y arranca de nuevo, renovada y con las fuerzas multiplicadas para encender los motores de esa nueva temporada que debe arrancar el próximo septiembre.

Lo que ha hecho esta gente no es un simple cliffhanger, acaba siendo un reset en toda regla.

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Ilusiones Cortas XXXIII: The Shrine / An Argument (Sean Pecknold, 2011)

2011-12-05T13:30:00.006+01:00

Lo que viene a continuación es un videoclip. De los Fleet Foxes, a más señas. Y más en profundidad, es el último vídeo de su último disco Helplessness Blues. Pero véanlo y díganme si importan esos detalles nímios delante de tanta belleza. Y luego intenten negar la idoneidad de que forme parte de esta sección.

The Shrine / An Argument from Sean Pecknold on Vimeo.

Y luego les reto a que intenten no seguir viendo los videoclips de estos jóvenes.

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Sitges 11: Tatsumi (Eric Khoo, 2011)

2011-11-19T10:33:00.003+01:00

Por ROSKI

Película de animación (galardonada en este apartado), que si bien no destaca por sus características técnicas, sí resulta entretenida, divulgativa y emocionante.

Coproducción entre Singapur e Indonesia que narra la vida de uno de los dibujantes más importantes de Japón, Yoshihiro Tatsumi, que durante los últimos cincuenta años ha intentado convertir el manga en un arte adulto capaz de tratar temas serios y complejos.

Adapta algunos fragmentos de su autobiografía dibujada, “Una vida errante” (publicada en España recientemente por Astiberri) y los intercala con versiones animadas de algunas de sus historietas clásicas, marcadas por el pesimismo y por un fatalismo tan cruel que llega a resultar incómodo.

Una película y un autor a descubrir.

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Sitges 11: Smuggler (Katsushito Ishii, 2011)

2011-11-19T10:27:00.004+01:00

Por ROSKI

Un desgraciado sin futuro y que va por la vida dando tumbos se arruina en las tragaperras. Debe entonces empezar a trabajar como transportista para la mafia japonesa. Esta historia se mezcla con otras en esta divertidísima película de acción que oculta una fábula sobre el crecimiento personal.

Quizás sea demasiado ambiciosa y muchas de sus líneas narrativas no lleguen a concluir con claridad, pero entretiene, lo que ya es mucho.

Más que como película de acción, funciona mucho mejor como comedia, a veces involuntaria, como en la escena del tiroteo, donde los efectos digitales fracasan de manera estrepitosa.

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Sitges 11: Lobos de Arga (Juan Martínez Moreno, 2011)

2011-11-19T10:21:00.004+01:00

Por ROSKI

Divertida vuelta al cine de terror español de los setenta actualizando el modelo con humor cafre.

Tiene algunos buenos chistes y se deja ver con facilidad, pero es evidente que para disfrutarla habrá que transigir con alguna de las actuaciones de los cómicos de turno: Secun de la Rosa, más contenido que de costumbre; Gorka Ochoa, haciendo el mismo papel de siempre y Carlos Areces, en esta ocasión con acento gallego.

Esta historia de licantropía ambientada en la Galicia profunda (siempre está bien que los malos lleven boina) destaca sobre todo por sus gotas de humor bestia que la alejan de otras propuestas semejantes producidas en España (desde la seminal “Aquí huele muerto... (¡pues yo no he sido)”) y la acercan a un modelo británico mucho más moderno y actual.

Destacan los efectos especiales, muy tradicionales.

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Sitges 11: Invasion of Alien Bikini (Oh Young-doo, 2011)

2011-11-19T10:16:00.004+01:00

Por ROSKI

Marcianada coreana que termina siendo una propuesta mucho más seria de lo que en un principio prometía.

Un extraterrestre (en forma de hermosa mujer) llega a la tierra, donde para sobrevivir tiene que copular con un humano rápidamente. El problema es que elige a la víctima equivocada: un vengador urbano algo patético que ha hecho voto de castidad. Pronto, los intentos del alien pasan del coqueteo a la tortura, en una espiral de chistes bastante divertida.

La película (de muy bajo presupuesto) termina en un discurso sobre paradojas temporales y superaciones personales que la alejan del tono ligero de su primera hora.

Queda como un invento interesante, muy ameno y que apunta buenas maneras.

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Sitges 11: Guilty of Romance (Sion Sono, 2011)

2011-11-19T10:11:00.006+01:00

Por ROSKI

Film que narra el descenso a los infiernos de una ama de casa japonesa. Una película que consigue atraparte con una historia bien trenzada en la que el paso de esposa abnegada a prostituta de bajo nivel está muy bien narrado y apenas chirría.

Retrato sin concesiones de la sociedad japonesa donde la búsqueda del deseo/libertad se contrapone al aburrimiento del hogar burgués.

En algunos momento, eso sí, llega a cansar tantas referencias literarias (Kafka, por ejemplo), aunque éstas nunca sean gratuítas.

No es una película redonda, pero se deja ver, sobre todo gracias a algunos golpes de comedia (el discurso de la madre es antológico) que alivian la tensión en un historia bastante triste y con un final sin concesiones.

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Sitges 11: Detention (Joseph Kahn, 2011)

2011-11-19T09:53:00.008+01:00

Por ROSKI

Una de las películas que más se habló este año y que incluso obtuvo algún premio menor.

Acelerada hasta el mareo, inconexa y mega-meta-referencial, la propuesta de Joseph Kahn abruma: como si los productores de Scary Movie hubieran planeado hacer un remake de Scott Pillgrim y le hubieran hecho el encargo a un director obsesionado con los noventa hasta extremos enfermizos.

Las paradojas temporales alegran un festín (en el que sobran demasiadas cosas) que termina empachando. Consigue algunas risas aisladas gracias a algunos personajes peculiares y tiene cierto encanto si te dejas conmover por esa extraña moda de añoranza por el pasado reciente que parece inundarlo todo últimamente.

Lo realmente triste es que se olvida pronto.

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Sitges 11: índice

2011-10-22T18:46:00.010+02:00

_____EN CONSTRUCCIÓN_____

_____Noticias
Comunicado Oficial en relación a la denunacia a Ángel Sala
Sitges 2011: presentación oficial
Sitges 2011: presentación sección Noves Visions
Sitges 2011: presentación Sección Oficial Fantàstic Panorama
Sitges 2011: clausura y Sección Oficial Fantàstic Competición
Sitges 2011: noticias Sección Oficial Fantàstic Competición Cortos

Sitges 11: The Woman (Lucky McKee, 2011)

2011-10-19T18:35:00.005+02:00

Por Hombre Lobo

The Woman (2011), una de las películas de horror más comentadas de este año, marca el regreso de Lucky McKee al mundo del terror "independiente" tras el fracaso comercial que supuso El bosque maldito (2006), aunque ya había tenido una más modesta entrada al thriller con Red (2008). Al igual que sucedía en el caso de esta última, en The Woman McKee se adentra en el mundo del escritor Jack Ketchum y sus historias llenas de crueldad y sadismo pero también portadoras de un interesante comentario (no muy positivo) sobre la condición humana que ha hecho que dicho autor trascienda los límites de la pura provocación. Ketchum es un autor brillante que lleva escribiendo varias décadas pero que recientemente ha visto incrementada su popularidad gracias a varias adaptaciones cinematográficas de su obra, principalmente (creo) debido al también reciente renacer del horror físico.

Para aquellos que no lo sepan, The Woman es en realidad la secuela de una película anterior, Offspring (2009), pero no hace falta haber visto la primera parte para entenderla ya que las dos historias son perfectamente independientes. Si bien su antecesora era una película hasta cierto punto mucho más convencional en el género de familia-que-se-enfrenta-a-salvajes-caníbales, esta segunda parte revierte los roles de cazador y presa creando un argumento mucho más apropiado al discurso de empoderamiento femenino que caracteriza gran parte de la obra de Lucky McKee. Aquí vemos como un aparentemente normal hombre de familia captura a una feroz mujer salvaje en medio del bosque y la mantiene prisionera en su casa, en la certeza absoluta de que podrá reeducarla y convertirla en alguien civilizado. Lo que realmente se viene encima es un sinfín de torturas y humillaciones con las cuales este pater familias y su prole se ven enfrentados a la parte más oscura de sí mismos, diferenciándose muy poco del monstruo que mantienen prisionero.

La mayor parte de la película se va en esta guerra psicológica que mantiene el personaje del padre (brillantemente interpretado, por cierto, por el actor Sean Bridgers) no sólo contra la mujer atada en su cobertizo y que se convierte en el blanco de todo su sadismo acumulado, sino también contra las mujeres de su propia familia, en quienes percibimos a lo largo del metraje toda una historia de dominación y opresión que pone los pelos de punta una vez que McKee y Ketchum (autores de un guión escrito a cuatro manos) van revelando poco a poco la verdadera naturaleza de este tirano doméstico. El tema que se va forjando poco a poco es interesante porque calza bastante bien con el ya citado discurso protofeminista de McKee, el cual consiste simplemente en el usurpamiento del poder y lo que ocurre cuando ese poder es súbitamente recuperado tras una larga serie de maltratos y humillaciones. En este sentido la imagen de esa mujer bestial atada de pies y manos y con una ferocidad completamente inhumana anticipa momentos terribles que desembocan en un clímax sangriento que se ve venir pero que no deja de impactar.

Debido a todo lo ocurrido antes de este final y el regodeo de la película en la miseria humana de los personajes masculinos, el público se sentirá inevitablemente identificado con la mujer feral del título y celebrará sin duda la llegada de la justa venganza, tal como ocurre en los más famosos ejemplos del Rape & Revenge como I Spit on Your Grave (1978), pero esto es sólo superficial puesto que McKee y Ketchum van mucho más allá al dotar a la venganza de la Mujer un componente inhumano que revierte a través de la violencia la subyugación de lo femenino.

Como nota final, esperad el final de los créditos para ver uno de los epílogos más surrealistas pero a la vez más sugerentes de este año. En general, The Woman es un descubrimiento notable que puede que dificulte el regreso de Lucky McKee a los predios del cine de terror mainstream, pero francamente con estos resultados eso importa más bien poco

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Sitges 11: Grave Encounters (The Vicious Brothers, 2011)

2011-10-19T18:35:00.003+02:00

Por Hombre Lobo

Ahondando aún más en la manía actual por los falsos documentales llegamos a una pequeña producción canadiense llamada Grave Encounters (2011), que además sirve de prometedora carta de presentación para sus directores, que trabajan aquí bajo el pseudónimo de The Vicious Brothers. Confieso que estaba reacio a ver esta, no sólo por ser un ejemplo más de la moda del terror documental y el recurso narrativo del "metraje hallado", sino también por el hecho de que su trailer (que lleva rodando por la red alrededor de un año) ciertamente no auguraba nada demasiado destacable, si acaso una película de terror del montón de esas que suelen poblar Fangoria o Bloody Disgusting. Pero de hecho no ha sido así; la verdad es que hay aquí no sólo una película bastante eficiente, sino también un par de sorpresas para quienes puedan temporalmente dejar de lado sus prejuicios.

El argumento, que parte de la típica premisa de las cintas perdidas de un reality show (llamado precisamente "Grave Encounters") que tuvo un misterioso final, recicla muchas de las constantes de casas embrujadas y tiene grandes parecidos con otras películas de terror como House on Haunted Hill (1999), manteniendo conocidos esterotipos como el psiquiátrico abandonado y la leyenda negra de un doctor psicópata asesinado por sus pacientes, historia que el equipo de "Grave Encounters" decide no sólo investigar sino también explotar de una manera desvergonzada y arrogante; la película deja claro desde el principio que los protagonistas, si bien no pierden la esperanza de entrar en contacto con lo sobrenatural, quedan evidenciados como unos fraudes dedicados por encima de todo a excitar el morbo del público. En este sentido una de las cosas más interesantes es cómo la película comienza en un tono abiertamente cómico y se va poniendo progresivamente más seria hasta alcanzar un clímax que es puro horror del bueno.

Aparte de los clichés de casas embrujadas y fantasmas iracundos (lugares comunes que ciertamente abundan), la cinta tiene algunas salidas argumentales muy interesantes gracias a un uso curioso de las convenciones del fantástico para plantear juegos espacio/temporales dedicados a desorientar al espectador y romper con el tono "realista" de la trama y su ambientación. No puedo hablar de dicho recurso narrativo sin revelar sorpresas clave del argumento, así que tendréis que confiar en mi palabra que cuando este momento llega la cinta toma un giro mucho más siniestro que nos obliga a abandonar gran parte de nuestro recelo e incluso lleva a los personajes a un nivel de sufrimiento superior. Es un toque inusual en este tipo de producciones y francamente de agradecer.

Ahora, si algún problema tiene Grave Encounters es sin duda el mal aprovechamiento de su condición amateur, que lleva a momentos francamente un tanto cutres cuando opta por los efectos especiales digitales, que son bastante rudimentarios y de andar por casa. De hecho la película es mucho más efectiva en aquellas secuencias más sutiles y ambiguas en las que la principal fuente de terror viene del muy efectivo uso de esa maravillosa locación que es el psiquiátrico abandonado. Pero estas son cosas que podéis comprobar vosotros mismos. No es casualidad que las más interesantes muestras de este sub-género del horror documental nos estén llegando precisamente de la mano de estas propuestas independientes. Desde aquí recomendamos acercarnos a esta como precisamente uno de esos ejemplos positivos.

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sitges 11: Apollo 18 (Gonzalo López-Gallego, 2011)

2011-10-18T15:20:00.001+02:00

Por Hombre Lobo

Si dudábais como yo acerca de echar un vistazo a Apollo 18 (2011) es hora de dejar los prejuicios atrás y darle una oportunidad. Si bien es cierto que esta cinta americana dirigida por el español Gonzalo López-Gallego representa el enésimo ejemplo de esta ya fastidiosa tendencia del falso documental o "metraje hallado", no es menos cierto que al menos es de las más eficientes de dicho estilo, sobre todo debido a su gran sencillez argumental y el buen uso que hace de los recursos, siendo el último de ellos (curiosamente) el formato narrativo que se ha escogido. Trataremos de ahondar en esta idea en los siguientes párrafos.

Lo cierto es que, como decíamos arriba, estamos ante una película tremendamente sencilla cuyo argumento ya fue destripado incluso desde el primer trailer: la historia (supuestamente verdadera) de la última expedición humana a la Luna, mantenida hasta hoy en absoluto secreto, y el perturbador registro audiovisual de la misión que muestra entre otras cosas por qué la Humanidad no volvió a pisar la superficie de nuestro satélite. Esa es básicamente la premisa y seguramente aquellos que hayan visto los avances o se hayan interesado un poco al menos por saber el argumento de la cinta sabrán cual es el supuesto "misterio": una presencia en los solitarios parajes de la Luna que será la fuente de terror durante gran parte del metraje.

Siguiendo esta premisa, la idea de situar una película de terror de este tipo en el espacio es buena y tanto López-Gallego como los guionistas Brian Miller y Cory Goodman dan en el clavo al retratar de manera muy eficaz el ambiente de soledad y aislamiento absoluto de la misión. Pero ojo: dicha atmósfera es lograda no gracias al recurso narrativo del metraje hallado sino debido al uso de componentes básicos de la ambientación, contraponiendo las imágenes del apretado pero familiar y seguro entorno de la nave y la vastedad inmensa y amenazante de la superficie lunar. Esta idea de la soledad aplastante y del astronauta que se enfrenta a lo desconocido está muy bien lograda y emparenta a la película con la también reciente Moon (2009), de Duncan Jones, la cual si bien es muy diferente, sí que comparte similitudes acerca del efecto que crea en el público el paisaje escogido para la trama. Esta idea de la Luna como un paraje enorme y desconocido tiene mucho más peso en sí misma que la estética de registro audivisual; de hecho el recurso del metraje hallado se olvida tras pasar poco tiempo de metraje, y la película está montada de una forma tan dinámica y con tantas "cámaras" y perspectivas diferentes que al final termina pareciéndose mucho a una narración convencional.

Tampoco se trata de la película definitiva del género falso documental ni mucho menos, y tiene el problema que suelen tener muchas de estas producciones al tardar en arrancar y ser bastante aburrida en su tramo inicial, pero una vez que comienza realmente el terror la cosa mejora mucho y logra dar el componente de terror atávico del Alien (1979) de Ridley Scott de una forma muy sutil pero llena de sustos genuinos y momentos francamente siniestros que hacen del viaje espacial una experiencia genuinamente aterradora. Aquellos que estén cansados ya de esta nueva moda narrativa de cintas encontradas harían bien en acercarse a Apollo 18 y dejarse llevar por una cinta particularmente bien hecha, sencilla pero efectiva en la nada difícil tarea de hacer cine de terror de ambientación espacial. Bastante recomendable.

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Sitges 11: Apollo 18 (Gonzalo López-Gallego, 2011)

2011-10-16T09:53:00.000+02:00

Si oficialmente el programa Apollo estadounidense con destino a la luna acabó con la misión número 17, Gonzalo López-Gallego presenta de una forma tan espectacular como bellamente analógica el porqué nunca se supo de un supuesto viaje número 18 que tuvo lugar finales de la década de los 70. No desvelo nada (de eso se encarga su explícito trailer) si apunto las líneas principales de su argumento: viaje a la luna, avería inexplicable, paulatina locura de los tripulantes, se desvela presencia alienígena, intento de rescate, y explicación del silencio de las autoridades después de tantos años de ofuscación de los archivos de vídeo y documentos. Lo de siempre.

Entonces, si es tan tópica, ¿que hace destacar a Apollo 18 delante de las demás películas de este género? Pues de forma evidente, el formato en el que está presentada. La ambientación, el grano de la imagen, la calidad de la fotografía de las cámaras, los decorados... todo retrotrae a las misiones reales de la NASA. Pero lo hace de forma tan efectiva que en casi todo momento se puede pensar que parte del metraje está reutilizado de una misión real. Es de esas películas que se puede uno acabar preguntando cómo se ha hecho eso. Y digo casi todo el metraje porque hay momentos que el montaje es demasiado bueno y oportuno para ser real, pero si no se andan buscando las líneas que separan lo real de lo digital, lo incidental de lo planificado milimétricamente, el resultado es realmente sorprendente.

Pero aparte de lo meramente técnico, otra cosa ha llamado de forma poderosa mi atención: la fascinante recreación del aislamiento atmosférico y comunicativo a través del montaje de todas las escenas finales. Entrecortadas, con descuadres entre el sonido y la imagen, la sensación de desasosiego y desesperanza en el espectador llega a ser real. Muy interesante recurso, desde luego.

En definitiva: a pesar de que se acaba haciendo algo larga, y en lo argumental no es nada del otro mundo, es preciosa visualmente, y se agradece que sea discreta y comedida a la hora de presentar la presencia alienígena.

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Sitges 11: The Troll Hunter (André Øvredal, 2010)

2011-10-15T10:09:00.000+02:00

Cada vez hay más estudiantes de cine, o cono mínimo más aficionados y autores amateur, y eso quizá explicaría a qué es debida la proliferación exponencial de material cinematográfico encontrado accidentalmente y que una vez revisado oculta una terrible tragedia, además de un misterio con tintes sobrenaturales. Y es que en los últimos tiempos, desde canales de youtube como el de Marble Hornets, hasta autores consagrados como el Romero de El Diario de los Muertos, se empeñan en jugar a la realidad con mayor o menor fortuna. Y visto de cerca, es una forma de usar el lenguaje cinematográfico que funciona desde siempre. Blair Witch Project fue el ejemplo más sonado, pero desde luego no fue el primero (aunque con otras motivaciones e intenciones estilísticas, el mondo existe desde principios de los 60) y difícilmente superará al escándalo de Holocausto Caníbal. Pero si algo bueno tenía la dichosa bruja de Blair era su capacidad de rascar con metafóricas y afiladas uñas nuestra sensación de credulidad. Su economía de medios, y su esfuerzo consciente de dejar la mayoría de cosas a nuestra imaginación eran su gran baza, cosas que otras cintas como El Misterio Lovecraft reutilizan de una forma muy similar. En cambio, The Troll Hunter da el gran salto de comenzar jugando con la imaginación, a pronto presentar todas sus bazas infográficas (la representación de esos trolls míticos) en un esplendor inaudito para ese tipo de cine de falso documental.

Y claro, rápido abandona ese ejercicio de hacernos creer que todo lo que vemos es real, para adentrarnos en el enloquecido disfrute de conspiraciones gubernamentales, solitarios cazadores míticos a la usanza de los exploradores británicos de la conquista africana, y por supuesto terribles monstruos gigantes que se convierten en piedra a la luz del sol.

Si a eso le unimos un final épico como pocos, un excepente ritmo y una sensación de aventua y descubrimiento en constante evolución, nos encontramos con una divertidísima película que sabe jugar con lo que se espera del formato, sin importarle desacerse de sus reglas y sorprender a un público cada vez más difícil de impresionar.

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Sitges 11: palmarés completo

2011-10-15T07:56:00.000+02:00

OFICIAL FANTÀSTIC COMPETICIÓN – SITGES 44
J. A. Bayona, Quim Casas, Lisa Marie, Ryoo Seung-Wan, Richard Stanley

Mejor Cortometraje
Ex aequo a Dirty Silverwear, de Steve Daniels, y The Unliving, de Hugo Lilja

Mejor Diseño de Producción
Marc Thiébault por Livide (Alexandre Bustillo & Julian Maury)

Mejores Efectos de Maquillaje
Steven Kostanski por The Divide (Xavier Gens)

Mejores Efectos Especiales
Lluís Castells i Javier García por Eva (Kike Maíllo)

Mejor Banda Sonora Original
Steven Price por Attack the Block (Joe Cornish)

Mejor Fotografía
Markus Förderer y Tim Fehlbaum, por Hell (Tim Fehlbaum)

Mejor Guión
Lucky Mckee y Jack Ketchum, por The Woman (Lucky Mckee)

Mejor Actriz
Brit Marling por Another Earth (Mike Cahill)

Mejor Actor
Michael Parks por Red State (Kevin Smith)

Mejor Director
Na Hong-jin por The Yellow Sea

Premio Especial del Jurado
Attack the Block, de Joe Cornish

Mejor Película
Red State, de Kevin Smith

OFICIAL FANTÀSTIC COMPETICIÓN ÒRBITA
Àlex Aguilera, Paco Cabezas, Manlio Gomarasca

Premio Especial del Jurado
Colour Bleed, de Peter Szewczyk (cortometraje)

Mejor Película
Guilty of Romance, de Sion Sono

JURADO CARNET JOVE
Eric Antonell, Gerard Fossas, Alberto Martin, Sergi Marí, David Vilaplana

Mejor Película OFICIAL FANTÀSTIC A COMPETICIÓ – SITGES 44
Bellflower, de Evan Glodell

Mejor Película MIDNIGHT X-TREME
Detention, de Joseph Kahn

NOVES VISIONS
Anaïs Emery, Javi Giner, Loris Omedes

Mejor Película
Night Fishing, de PARKing CHANce (Park Chan-wook y Park Chan-kyong)

Diploma Película No Ficción
Knuckle, de Ian Palmer

Diploma Película Discovery
Invasion of Alien Bikini, de Oh Young-doo

Diploma Película Dark Ficción
Kill me please, de Olias Barco

Diploma Millor Cortometraje
Coup de grace, de Clara van Gool

Mención Especial
Underwater Love, de Shinji Imaoka

CASA ÀSIA
Jordi Ojeda, Carles Santamaria, Pil Sung-Yim

Mejor Película
The Unjust, de Ryoo Seung-wan

GRAN PREMIO DEL PÚBLICO EL PERIÓDICO DE CATALUNYA

Mejor Película
Attack the Block, de Joe Cornish

NOVA AUTORIA INSTITUTO BUÑUEL de la FUNDACIÓN AUTOR
Arnau Bataller, Sílvia Munt, Maria Ripoll

Mejor Dirección
La gota, de Daniel Piera y Beatriz Escolar (Universitat Ramon Llull-Blanquerna).

Mejor Guión
Ex aequo a Camille, de Carme Puche (Universitat Oberta de Catalunya – UOC), y a Exercici, de Raúl Pérez (Bande à Part).

Mejor Música Original
Chroma, de Juan Andrés González (Universitat Pompeu Fabra).

Mención Especial por el interés del trabajo documental a Me llamo Peng, de Jahel Guerra y Victoria Molina de Carranza (Universitat Autònoma de Barcelona – UAB).

Mención Especial por el interés del trabajo de animación a Desde el averno, de Raúl García, Núria Argemí, Mariona Consuegra, Saúl Darú, Maria Moreira, Clara Vallvé y Bernat Vilaseca (Escola d’Animació de Catalunya, 9 Zeros).

ANIMA'T – Premio Gertie
Jordi Ojeda, Carles Santamaria, Pil Sung-Yim

Mejor Largometraje de Animación
Tatsumi, de Eric Khoo

Mejor Cortometraje de Animación
Dripped, de Léo Verrier

Diploma al Mejor Largometraje Sitges Family
Leafie, de Oh Sung-yoon

MÉLIÈS DE PLATA
Àlex Aguilera, Paco Cabezas, Manlio Gomarasca

Méliès d’Argent a la Mejor Película Europea
Kill List, de Ben Wheatley

Mención Especial
Hell, de Tim Fehlbaum

Mención Especial
Krokodyle, de Stefano Bessoni

Méliès de Plata al Mejor Cortometraje Europeo
The Unliving, de Hugo Lilja

Mención Especial
Magic Piano 3D, de Martin Clapp

MÉLIÈS DE ORO

Méliès de Oro a la Mejor Película Europea
Balada Triste de Trompeta, de Álex de la Iglesia

Méliès de Oro al Mejor Cortometraje
Suiker (Sugar), de Jeroen Annokkee

PREMIOS DE LA CRÍTICA
Desirée De Fez, Carlos Losilla, José Luis Losa

Premio de la Crítica Jose Luis Guarner
Attack the Block, de Joe Cornish

Premio Citizen Kane al director/a revelación
Ex aequo a El páramo, de Jaime Osorio, y Trabalhar cansa, de Juliana Rojas y Marco Dutra

BRIGADOON Paul Naschy
Adrián Cardona, Rafa Dengrà, Leticia Dolera

Mejor cortometraje
8, de Raúl Cerezo

con retraso, desde sitges 2011... (X)

2011-10-15T07:55:00.000+02:00

sábado 15

The Thing (Matthijs van Heijningen, 2011)

Me senté en el Auditori con la idea de que este remake-precuela del clasicazo de Carpenter no iba a hacer bueno el madrugón que acababa de pegarme (sé que una sesión a las 9:00 no es una barbaridad, pero valórenlo si llevan 10 días durmiendo no más de 4 horas cada noche). Pero la mayoría de los que estábamos allí (en condiciones físicas parecidas, o incluso peores) salimos bastante sorprendidos. Porque este engendro que le ha salido a Matthijs van Heijningen funciona bastante bien en ambas funciones (versión y antecesora). Si bien los tiempos ya no son como los de aquella lejana década de los 80, y el espectador tiene otros requisitos cuando se acerca a una película de género. Me refiero claramente a exhibir la nave espacial con todas sus lucecitas, y sobre todo al monstruo con la imperiosa necesidad de mostrarlo en todo su esplendor, de forma clara, en todas las escenas en las que sea posible. Se opta por la espectacularidad, cosa que en el fondo es de agradecer dado que poco misterio hay que conservar al tratarse de una precuela: todos sabemos cómo debe terminar esa base noruega, y cómo debe continuar después en la base estadounidense, así que no me parece una mala elección. Pero de todas formas, y como ya he comentado, es tanto una precuela como un remake, y no se corta a repetir escenas clave de la película original, como en la que alguien debe tomar el mando y dividir a los investigadores entre sospechosos y confiables. Y la película tampoco desentona en este momento, porque es evidente que, en situaciones similares, cualquier grupo de gente debería comportarse de forma parecida si pretende sobrevivir. Así que una sorpresa a primera hora que abría un último día super interesante.

Drive (Nicolas Winding Refn, 2011)

El Festival de Sitges del 2009 nos permitió, con dos películas maravillosas, Bronson y Valhalla Rising, el descubrimiento de Nicolas Winding, un director interesantísimo y bastante peculiar. Por eso, Drive era una de las películas más esperadas del presente año, y hay que reconocer que no decepciona en ningún ámbito. Intensa, jugando con la contención absoluta del hierático protagonista (parco en diálogos y gestos, pero no en transmitir emociones), en un guiño constante con el cine ochentero (ese personaje solitario y molón, con chupa deportiva, ray-ban de piloto, palillo en la boca, con esos títulos de crédito de neón rosa…) y eventualmente tierna y dramática a pesar de un argumento que puede resultar simple y manido. Pero no por sencillo deja de ser emocionante: Un doble de acción cinematográfico, piloto de carreras en sus tiempos libres y conductor mercenario de coches en robos cuando es requerido, vive su emocionante vida sin que le aumenten las pulsaciones, hasta que una mujer se cruza en su camino y su vida, tanto interior como exterior, empieza a cambiar. Drive es, en definitiva, una bonita historia de amor imposible, emocionante y conmovedora, pero obviando la parte sensible y blanda... Y molando mucho.
De hecho, durante toda la película notaba ciertos paralelismos con otra cinta que me tocó particularmente en mi adolescencia como es Cosas que Hacer en Dever cuando Estás Muerto, por su sentido de la masculinidad, del amor, de la amistad, y del honor inquebrantable, en un mundo de violencia e ilegalidad.

Killer Joe (William Friedkin, 2011)

La sesión sorpresa del sábado, que seguía dos grandes éxitos de crítica en el Auditori, podría haber sido un fiasco terrible. Pero no cabe duda que la apuesta de la organización por William Friedkin y su adaptación de una pieza teatral de Tracy Letts tenía el éxito casi asegurado. Y esta historia de miseria, engaños y venganza, interpretada por una panda de actores en excelente forma artística que sobresalen de su condición de secundarios (maravilloso el trio Thomas Haden Church, Gina Gershon y Juno Temple), y protagonizada por un, debo reconocerlo, escalofriante Matthew McConaughey (en la actuación de su vida) aterra porque es una innegable muestra del débil contenedor que mantiene unida a una unidad familiar en condiciones de extrema necesidad, y cómo en determinadas ocasiones es fácil aceptar lo horrible como parte de uno mismo, simplemente si parece aportar un poco de esperanza. En la línea de otras adaptaciones de teatro moderno, los actores se mueven en escenarios reducidos y poco variados, pero no es necesario más. Lo importante son los diálogos complejos que proveen de un ritmo endiablado a una historia delirante, en este caso siendo ésta una espiral de destrucción mutua cuando una familia contrata a un asesino a sueldo para que acabe con la ex mujer del padre y así cobrar su seguro de vida. Intensa y extraña, tiene como final un horror de proporciones épicas que (y es un logro que no se aprecia muy a menudo) no se recrea más de lo debido y sabe cuándo debe acabar. Un excelente broche, para el mejor arranque de día del presente certamen.

Tan bueno fue este arranque matinal de este el último día de Festival (para mí, las maratones del domingo están prohibidas por razones de conservación de la cordura), que acabé decidiendo no ver ninguna de las películas que tenía previstas para la tarde. NADA podría coronar mejor al Sitges 2011 que las tres películas de la mañana del sábado 15. Acabar con un buen sabor de boca. Creo que ningún año he podido decir algo semejante con tanta certeza. Y con la perspectiva de los día, creo que fue una excelente decisión.

Y ya está. El año que viene, MÁS.

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con retraso, desde sitges 2011... (IX)

2011-10-15T07:50:00.018+02:00

viernes 14

Juan de los Muertos (Alejandro Brugués, 2011)

No es en ningún caso la más original película de zombies de la historia y menos si la consideramos junto sus iguales en el ámbito del humor. Si acaso es llamhttp://www.blogger.com/img/blank.gifativa por su condición de película cubana de género, más que nada porque sus chistes sobre la condición de ciudadano de Cuba son bastante graciosos, pero sólo durante un rato. Porque la línea argumental de “irse ganando la vida con lo que hay” se agota bastante pronto. Y sé que sacar a relucir Vampiros en La Habana es todo un tópico, pero es que como espejo en el que mirarse es un duro golpe para Juan de los Muertos, que carece por completo de la complejidad crítica, la osadía y la diversión que caracterizaban la película de animación. En todo caso, la película que se proyectó en Sitges 2011, no pasa de ser una mera anécdota por la que pasará a la historia, pero que no llega a ser más que algo entretenida.

El Páramo (Jaime Osorio Márquez, 2011)

Para completar la mañana de diálogos incomprensibles, El Páramo intenta adentrarnos en un terrorífico descenso a la locura, con un grupo de soldados que se deslizan hacia el miedo supersticioso bajo el impulso autodestructivo de la guerra. Y se queda en intentarlo, porque acaba siendo bastante poco concisa en sus intenciones terroríficas, y se queda en la exhibición continua de comportamientos testosterónicos, y estúpidos la mayoría de las veces. En ningún momento se decanta hacia el cine bélico, o hacia el horror, quedándose en un punto medio en el que yo, como espectador, no llegué a sentirme atraído por su propuesta salvo en los momentos iniciales en los que aún parecía que iba a tirar por el buen camino. Lo único a admirar es el punto de vista que han elegido para la cámara durante casi todo el metraje, un modo que en el mundo de los videojuegos se le llama "de torreta", y que consiste en poner la cámara detrás del hombro de los personajes, como si fuera un punto de vista subjetivo. Pero no desde el interior de los protagonistas, sino unos centímetros detrás de la persona en primer plano. Plantear una película en el que casi todo el rato sólo se ve a los personajes principales de perfil es de admirar, sí, pero otra cosa es si es acertado, porque no consigue más que parecer un auténtico videojuego tipo "survival horror", cosa que acaba aumentando la sensación de fracaso al no atreverse a dar el paso definitivo hacia el ámbito del terror.

Magic Piano 3D (Martin Clapp, 2011)

Y tiene que ser un cortometraje el que finalmente nos muestre el verdadero potencial de una proyección en 3D. Magic Piano es una maravillosa obra de arte, con una historia preciosa y un apartado musical excepcional. Y encima visualmente es de lo mejorcito que se puede ver en la animación por ordenador actual. Y es todavía mejor, porque además tiene la más acertada aplicación del 3D que se ha visto en Sitges y probablemente que se verá en mucho tiempo en el resto de salas comerciales. Una niña decide ir en busca de su padre, que se ha ido a Londres a trabajar, y lo hace a través de la fantasía mediante un piano de cola destrozado que resulta ser una máquina voladora. Así, a través de la música de Chopin, se despliega una aventura llena de emoción y peligro donde la protagonista y su primo descubren tanto el mundo real como uno imaginado. Una aventura que les acaba rescatando de la vida de soledad que les oprimía.
Y parece que forma parte de una película con múltiples historias. Habrá que seguirle la pista.

The Prodigies (Antoine Charreyron, 2011)
Ésta es la película de este año a la que le ha pasado factura el agotamiento de las largas sesiones de cine del Festival. Y no es que no tuviera una premisa interesante, cinco chicos descubren que son algo más que humanos gracias a la guía de un científico que tiene semejantes poderes. Pero lo que debe ser una historia de superación de unos freaks que se convierten en héroes, se acaba transformando en un verdadero advenimiento de la maldad. La animación cell shading se ha quedado un poco anticuada, pero era más que correcta. Al igual que era bastante aceptable la proyección 3D, aunque definitivamente me doy por agotado de ese formato que no tiene nada más que aportar. Pero a pesar de todo ello me acabé saliendo de la sala.
Aunque reconozco que esta película es de las debo recuperar más adelante.

Coup de Grâce (Clara van Gool, 2011)
(Con la presencia de los actores/coreógrafos Jordi Cortés Molina y Damian Muñoz)
Me falta mucho para entender el videoarte y la danza contemporánea, pero debo reconocer que ver a esos dos personajes luchar entre ellos por ocupar esos espacios tan inmensos, solitarios y lujosos me mantuvo completamente enganchado a la pantalla. Era un duelo, uno defendía su mansión, pero la victoria no acababa llegando y ninguno de los dos parecía cerca de ganar en ningún momento. Al final ambos parecen rendirse.

The Tempest (Julie Taymor, 2011)

Quizá demasiado literal, esta adaptación de la obra de Shakespeare acaba aburriendo sobremanera al no conseguir abandonar el ritmo teatral, una languidez que no parece encajar con toda la artificiosidad visual y la pirotécnia de los efectos especiales cinematográficos de los que hace uso. De echo, una de las cosas que más me molestó de The Tempest es lo cercano que está el personaje de Ariel del ridículo. Mal, muy mal.

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con retraso, desde sitges 2011... (VIII)

2011-10-15T07:49:00.016+02:00

jueves 13

Poulet au Prunes (Vincent Paronnaud y Marjane Satrapi, 2011)

Preciosa historia de amor presentada como una sucesión de cuentos dentro de cuentos que forman la vida de Nasser Ali Khan, un maestro del violín que ha pedido las ganas de vivir y decide encerrarse en su habitación a la espera del ansiado ángel de la muerte. Migaja a migaja, la historia sigue el camino de la bella historia de amor inacabada del violinista y cómo el camino secundario que tuvo que tomar le va dejando sin aliento y sin esperanza. A pesar de su triste historia, el buen humor planea surante todo el metraje sobre los desgraciados personajes, y esa mezcla de acción real y animación en dos y tres dimensiones llenan la película de fantasía que acaban de redondear el resultado. Una vez más, una adaptación de una novela gráfica de Marjane Satrapi (la anterior fue Persepolis) alcanza la excelencia en su paso a la grana pantalla.

Sector 7 (Ji-hun Kim, 2011)
El concepto Cine de Monstruos Coreanos lleva a pensar en The Host y hace subir mucho las espectativas, cosa que le pasa una terrible factura a Sector 7. Porque esta película se queda en un mediocre divertimento juvenil, excesivamente largo, aburrida durante mucho rato y sin nada que destacar a nivel argumental. Quizá lo más interesante podría ser la aportación de la proyección 3D, pero una vez más, una sensación de fracaso planea por la sala cuando sólo sirve para ver placton en suspensión, burbujitas y poco más. Y el monstruo, que debería ser la mayor baza del film, tampoco acaba de funcionar porque parecen no darse cuenta que los CGI con brillos convierten siempre el objeto generado en una masa relamida y poco creíble. Una gran decepción.

Carré Blanc (Jean-Baptiste Léonetti, 2011)
Grata sorpresa. Otra historia apocalíptica de baja intensidad en la que sólo nos damos cuenta de que todo se acaba por los mensajes institucionales que hacen recuento de la menguante población humana y por los reiterativos anuncios pro-reproducción. En este entorno hipercontrolado por una AI que parece verlo y normalizarlo todo, un joven aprende a mantenerse dentro del sistema (toda la parte de su trabajo como reclutador empresarial es quizá lo más frívolo de toda la historia) aunque su genética le impele a rebelarse. En un mundo apático, donde las soluciones antisuicidio son de lo más creativas, se acaba desencadenando una lucha feroz entre la predisposición genética y el control del entorno. Y en el fondo, parece decir Carré Blanc, hay que reconocer que el destino de todo lo vivo es la extinción.

Shaolin (Benny Chan, 2011)
Megaproducción honkonesa que relata la historia del templo de monjes guerreros shaolin. Pero no lo hacen desde dentro, sino de una forma más convincente (como cualquier panfleto apologético debería hacer), que es siguiendo la historia de un converso. Mejor ejemplo que nadie del efecto de las enseñanzas del templo. En una China fragmentada por una terrible guerra civil, los monjes se dedican a asistir a heridos y refugiados de cualquier bando. Pero esa condición de neutrales se ve pronto comprometida cuando el General Hou Jie resulta herido en uno de sus múltiples juegos de poder, y debe refugiarse en el templo. Cazado por el resto de facciones militares, acaba siendo iluminado por las enseñanzas de los monjes, y se convierte en el principal guerrero defensor del templo cuando éste termina por ser inevitablemente atacado. Película trepidante y muy disfrutable, cae en el error típico de toda la épica china de alargarse hasta lo indecible en su metraje. Además, en esta ocasión también veo un problema en lo forzadas que acaban quedando las escenas cómicas de Jackie Chan, estrella obliga, que cortan un poco las connotaciones reflexivas y sobria del resto de la historia. Aunque mis compañeros de sesión, que se durmieron, quizá hubieran agradecido más momentos de escape. No sé...

Target (Alexander Zeldovich, 2011)

En un futuro próximo, una macroautopista une China con la Europa atlántica, y el control de sus aduanas ha convertido a Rusia en un país inmensamente rico. La historia se centra entonces en un grupo de adinerados moskovitas que con sus inmejorables profesiones y su alto estatus cultural tienen todo lo que podrían desear. Todo menos la juventud que se les escapa a manos de ese tiempo incontrolable. Pero con dinero todo es posible, y todo cambia en sus vidas cuando les llega la noticia de que existe una base experimental abandonada que causa extrañas reacciones metabólicas en aquellos que la visitan.
Densa hasta la deseperación, Target es de esas películas que miras anonadado y debes reconocer que sólo consigues escarbar en lo más superficial de sus intenciones. Sólo puedo reconocer haber seguido su feroz crítica al capitalismo, al snobismo, a la televisión (impagable esas tertulias políticas televisivas al más puro estilo reality de televisión japonesa), y a un mundo en general que se divide entre lo molecularmente bueno y lo malo, siendo una condición tan mesurable (fantástica idea) como contagiosa. Lo mejor de todo ello es que acaba siendo una excelente película con muchísimo gancho y buen ritmo. A pesar de su espesura y de su formato.

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desde sitges 2011... (VII)

2011-10-15T07:49:00.006+02:00

miércoles 12

Livide (Alexandre Bustillo y Julien Maury, 2011)

Sabiendo quién la dirige, ese par de franceses macarras y salvajes, esperaba algo tirando a visceral y muy impactante y ha sido una gran desilusión descubrir que, en realidad la película es poco más que una serie de decisiones argumentales excéntricas. Porque mezclar vampiros góticos, con historias de fantasmas, y algo así como zombies no huele a novedad, pero puede ser peor y acabar en batiburrillo típico del mal cine de género con delirios de grandeza. Y Livide se puede entender de muchas maneras, pero no me acaba de convencer ninguna de ellas.

Extraterrestre (Nacho Vigalondo, 2011)

No digo que sea únicamente para incondicionales de Vigalondo, porque es una buena película con una primera parte muy divertida, pero creo que el público de Sitges tiende a sobredimensionar algunas cosas. Por ejemplo la comicidad de las actuaciones. Sin el respaldo de Muchachada Nui, algunas de los personajes se quedan en mediocres, y sin el bagaje previo del propio Vigalondo, esa falta de ritmo final podría llegar a ser reprochable. En contra de esto, la actuación del protagonista es perfecta, dejando siempre en duda dónde queda la línia entre la verdad y la mentira, y en general la maraña de enredos se mantiene interesante hasta el mismísimo final. En todo caso, es una película muy entretenida, y adorable en la mayoría de ocasiones.

The Raid (Gareth Evans, 2011)

Aplauso y ovación. Es algo que Sitges se reserva para grandes clásicos, personajes invitados (sobre todo en l'Auditori, donde difícilmente se abuchea a alguien presente en la sala), a maratones nocturnas para pájaros de mala vida, y a algunos selectos pases de novedades que pronto se convertirán en clásicos. Pero que una escena se gane un aplauso, y a continuación una larga ovación, no es algo tan habitual, y The Raid lo consigue con una facilidad pasmosa. Y es que está diseñada para molar: un cuerpo de élite entra en un bloque controlado por la mafia indonesia para acabar con su cabecilla, pero allí ya les están esperando con toda la artillería lista. Y es como suena, una sucesión larguísima de hostias como panes, tiroteos exagerados y un montón de escenas de acción magistralmente coreografiadas en la más pura tradición del mejor cine de acción asiático. Porque estos indonesios han recogido lo mejor de los piños cuadrados tailandeses, la violencia brutal de las armas de mêlée coreanas, y la concepción estética e hiperactiva del cine de acción honkonés. Y les ha quedado una película de acción perfecta, que incluso se toma tiempo en las concesiones sobredramatizadas del cine chino, pero que deja sin aliento desde el minuto uno. Magistral. Es de las pocas de la presente edición que es recomendable al cien por cien para cualquier tipo de gusto cinematográfico.

The Texas Chainsaw Massacre 2 (Tobe Hooper, 1986)

(Con la presencia de su actriz protagonista)

Todos la habíamos visto hacía mucho tiempo y todos la recordábamos con cariño aunque era la hermana fea de la saga. Pero en plena proyección, todos nos miramos con asombro, más o menos a la vez, cuando nos dimos cuenta lo muchísimo que le debe el cine de Rob Zombie a esta película del 86. Porque en el fondo lo sabíamos, pero las coincidencias entre The Texas Chainsaw Massacre 2 y La Casa de los 1000 Cadáveres sobrepasan la mera inspiración, llegando incluso al punto de que la de Zombie es casi un remake (y ahora no dudo que consciente). Porque Hooper se adelantó a su tiempo, y se tomó la libertad de corromper el mito, la figura icónica, para adentrarse en el estudio del horror puro que conlleva la psicopatía, sean cuales sean las condiciones y entornos que las que se genere. Y se atreve a hacerlo reventando los mismísimos pilares del tópico americano, con vaqueros chiflados, parques temáticos de batallas de la guerra civil, y con una heroína que deja atrás desde el principio el papelito de scream queen para ser parte activa en la caza del mal. Sabiendo esto, díganme que no es la semilla perfecta de la sublime Los Renegados del Diablo...

El Más Allá (Lucio Fulci, 1981)
(Con la presencia de su actriz protagonista)

Onírica incluso más allá de la voluntad inicial del propio director, El Más Allá no ha envejecido mal teniendo en cuenta que ya era una rareza en su época. Los zombies más lentos de la historia del cine y esos primerísimos planos detalle de ojos estallando tan propios de Fulci, redondean una pieza extraña, inconexa y mórbida que concibe una bajada al infierno como el fin del mundo consciente, donde la puerta al abismo parece ser el propio arte. Y aunque nada parece encajar en esta película, ni argumental, ni artísticamente (quiere ser una película metafísica, pero por exigencias de la productora se queda en mera película de muertos vivientes), El director consigue, como siempre, triturar todos los ingredientes con torpeza, con la excusa de la ensoñación, y hacerlos pasar como un puré compacto y homogéneo. Y buena parte de culpa la tiene esa fantástica banda sonora que la acompaña, que enmarca esta historia de hoteles malditos (que en el fondo es el argumento principal) y enrarece el ambiente hasta la ironía.

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desde sitges 2011... (VI)

2011-10-15T07:47:00.006+02:00

martes 11

Emergo (Carles Torrens, 2011)
Convencional cinta de terror sobrenatural grabado con cámaras de vigilancia, como ya hizo en su día Paranormal Activity. La cosa es que Emergo no aporta más que aquella en ningún sentido, a pesar de su capacidad de recoger ideas de otras películas (ese final a lo Poltergeist es de denuncia) y la tozudez en mostrar la posesión como una serie de hechos aislados e inconexos, a modo de más difícil todavía que hay que subir el tono para atrapar al espectador. Cosa que lleva a intentar juegos de tensión ya mil veces vistos que incluso quedan fuera de lugar. Ni si quiera puedo decir que tenga alguna idea interesante, porque más o menos ya lo hemos visto todo antes. Así que quedan avisados.

Melancholia (Lars Von Trier, 2011)
Rotunda, teatral y algo menos cruel con el espectador (que no con los personajes protagonistas), quizá porque no llegamos a enpatizar nunca con el carácter apático de Dunst, ni con la energía contenida y sumisa de Gainsbourg. Quizá el más cercano al espectador acaba siendo Sutherland, pero su papel es tan poco agradecido que no acaba afectando su miseria. La cosa es que la película se divide en dos capítulos, uno para cada protagonista femenina, donde la historia de la boda/depresión de Dunst se explica se en el primero; y el fin del mundo se detalla en el segundo bajo la excusa de la historia de Charlotte Gainsbourg. Porque ese es el mcguffin de Von Trier: un planeta (Melancolía, no es poético?) está a punto de chocar con la tierra, mientras la humanidad tiene sus propios problemas. Bellísima, adolece de contar con un estilo muy diferente en sus dos partes, cosa que puede llegar a molestar a los seguidores del director que maneja muchos personajes, al estilo Celebración, o el que busca la intimidad enérgica y doliente como en Anticristo. Con muchísimos puntos en común con Another Earth (cosa que en realidad no quiere decir absolutamente nada), es de las pocas del festival de este año que realmente se adscriben al fantástico, y lo demuestran.

Twixt (Francis Ford Coppola, 2011)
La ha rodado Coppola, como la podía haber rodado cualquiera, un poco más corta, para cualquier serie de horror de la TV por cable. Y diría que sería para una serie segundona, porque en absoluto merecería estar en Masters of Horror. Con una fotografía muy retocada digitalmente, una pobrísima y totalmente innecesaria exhibición en 3D (sólo estan en tres dimensiones unos 5 minutos en total), y un guión manido y flojo (siendo una versión pobre y gótica de En la Boca del Miedo de Carpenter), la película sólo toma fuerza con algunos momentos de la actuación de Val Kilmer, que llegan a ser sumamente divertidos.

Mi Burro (Zach Passero, 2011)
Increíble corto de animación flash, de baja calidad y con un argumento surrealista, que acaba causando sensación por su grado de psicotronía y descaro. Niño es un niño escuálido y con un acento muy peculiar (castellano leído de una traducción automática del inglés perpetrada por el peor software posible) que vive en la extrema pobreza y es amigo de Burro, un burro con tupé a lo Elvis, vicioso, desconsiderado, y que vive en un motel de mala muerte a expensas de una mujer que sólo requiere sus servicios sexuales. Niño recoge a Burro cada mañana para ir a mendigar y el cortometraje se queda para seguir observando el día de estos dos personajes. Con clara intención provocadora, está desarrollado como un divertimento extremo por la productora del largo al que acompaña, The Woman, por todos los festivales por los que pasa. No sé si tienen intención de convertirlo en el piloto de una serie episódica real, pero desde luego yo me he quedado con las ganas de saber más de la historia de esos dos personajes y de los hombres trajeados que persiguen a Burro.

The Woman (Lucky McKee, 2011)
McKee no engaña y siempre da lo que promete. Aunque tarde en mostrarlo. E igual que la historia se desarrolla poco a poco, en The Woman, la insanidad moral, y el impulso biológico hace su aparición también de forma gradual, cosa que permite al espectador pasar por todos los estados de empatía, asco, y miedo hacia todos los personajes que participan de la historia de esta mujer salvaje a la que esa familia modelo pretende reintroducir. Hasta que llega ese final liberador y catártico, en el que el horror se mezcla con la justicia y todos salimos del cine más tarados y mejores personas. Calificada por algunos como machista, no puedo discernir otra forma de feminismo más salvaje que el que defiende esta película. Pero no sé, los listos sabrán.

Underwater Love (Shinji Imaoka, 2011)

Esto si que es psicotronía pura. Un joven se ahoga y se ve reencarnado en un mítico yokai acuático Kappa, y de casualidad se reencuentra con una antigua compañera de estudios. Hasta aquí todo normal. Pero si aclaro que es casi una película infantil, y casi un musical con coreografías inventadas al vuelo, con pinceladas de pinku eiga y eroguro, no me dirán que la cosa no mejora mucho. Y la verdad es que por raro que parezca, la película es completamente disfrutable desde cualquier ámbito, pero sobretodo desde el de la diversión descerebrada e inofensiva.
Inmortalidad a través de perlas anales, sexo interespecífico, bukkakes risibles y una historia de amor inocente y bastante bonita, son sus principales puntos fuertes. Underwater Love es una excelente apuesta por lo menos común del cine oriental que asegura bastantes posibilidades de disfrute.

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Sitges 11: Red State (Kevin Smith, 2011)

2011-10-14T14:00:00.009+02:00

Hace la barbaridad de 10 años de aquel Festival de Sitges del 2001 que anunciaba a bombo y platillo la presencia de Kevin Smith para presentar la película Jay y Bob el Silencioso Contraatacan. Como joven fan irredento del director y de sus comedias, creo que fue el año que menos me costó elegir qué película tenía ver, sí o sí. Fue el año de Avalon y Battle Royale (que pude disfrutar en aquel certamen), pero también fue el año de Donnie Darko, Millenium Actress, Jeepers Creepers, Kairo, Metropolis, Session 9 o Mullholand Drive. Así que imaginen el éxito de crítica (que no de convocatoria) del tito Smith.

Finalmente, en aquella larguísima cola del Auditori, con el consabido retraso que nos hacía temer por la pérdida del último tren hacia Barcelona, nos enteramos que Kevin no iba a estar presente, y que tenía que ver con la ya entonces repetida excusa del Miedo a nuevos ataques terroristas. El Festival nos compensó un poco, que no mucho, con un gorrito bastante feo con el título de la película con la tipografía de Star Wars. Era un émulo del gorro de Jay, pero en versión cutre (era básicamente una gorra de béisbol sin visera) y si soy sincero creo que aún debe andar por casa de mis padres. Nunca se me ocurrió ponérmela.

Ninguno de mis amigos que estaban en aquella cola buscaban un Kevin Smith alejado de la comedia, y pocos de los que llenamos la sala pensaban en cómo sería una película “seria” del director de Persiguiendo a Amy. Y es que, en aquel entonces, yo ya había tenido bastante seriedad con ese medio tono cómico de Dogma, y sólo buscaba una vuelta a los orígenes. Y no fue hasta años después cuando me di cuenta que su deriva de géneros empezó con la metapelícula que presenciamos aquella noche.

Y ahora, después de pasar incluso por comedias de policías, el tito Kevin nos entrega Red State. Y bueno, parece muchas cosas menos una película de Kevin Smith. Y eso no debería ser malo por defecto, pero es difícil lucirse en algo cuando ya hay maestros que se ocupan de ello. Por ejemplo, y es lo más evidente: La estética, la fotografía, el tipo de rodaje, y las principales lineas argumentales recuerdan a Rob Zombie. Al maestro Zombie. Y no es que el músico/director inventara nada, pero sí es cierto que el vuelco a “cine de autor” que ha dado el horror de serie B tiene una gran deuda con Los Renegados del Diablo.

Y luego está el segundo pilar de la cinta de Smith, que es la crítica más o menos explícita a la trinidad Sexo, Religión, y Política (así divide en los títulos de crédito a los actores), que queda algo (por ser bondadoso) confusa y en tierra de nadie.

Vale. Acepto que llevo muchas películas y empieza a espesarse mi cerebro. Concedo que igual estoy muy equivocado...

Y entonces llega el último punto destacado, y es la ausencia de cualquier toque Smith identificable. No me sirven las palabrotas, no me sirven los chistes sobre sexo, y no estoy hablando de meter una serie de tics de dirección como marca de la casa (no, sr. Uve Boll, vd. tampoco tiene toque). Es en cosas como ésta cuando debo reconocerle a un viejo amigo que él está ganando la batalla: aún le queda mucho a Kevin Smith para poder ser llamado un “autor”

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desde Sitges 2011... (V)

2011-10-14T08:11:00.010+02:00

lunes 10

Harakiri (Takashi Miike, 2011)

Clásica hasta la radicalidad, este último, adjetivo que se aplica a todo lo que hace Miike. Pero tan clásica y formal, tanto, que es imposible encontrar rastros de su autoría. Lo único que señala al director es que Harakiri es un melodrama de excelente factura, estático y sosegado, pero que alcanza puntos de extremo dramatismo. Que no de extrema violencia. Por eso encaja tan bien en la tradición folletinesca y repetitiva tan propia del cine clásico japones, pero queda muy lejos de los destellos de genialidad que tenía su obra anterior, de similares intenciones, 13 Asesinos. Y quizá el punto discordante sea que en aquella si que había pinceladas de cine moderno, y en esta que nos ocupa no asoma por ningún lado. Ni siquiera el 3D ayuda para nada, ya que si ya suele ser una técnica inútil a nivel cinematográfico, en Harakiri lo es hasta a niveles expresivos: como cine clásico, estático y teatral que pretende ser, sus sets no están iluminados para un rodaje en tres dimensiones (es decir, no se preocupan por marcar los contrastes entre capas, y no remarcan los perfiles de los personajes para crear profundidad), con lo que ponerse las gafas polarizadas sólo provocaba oscurecer de manera terrible la película, y en los planos de interiores, este hecho llegaba a límites ridículos. En cuanto a la película en sí, es correcta, si acaso algo larga, pero es un buen puñetazo en la mesa de Miike contra aquellos que señalaban al director como excentricidad dentro de la industria.

Bellflower (Evan Glodell, 2011)
Apocalipsis interior. De eso trata Bellflower, de cómo unos jóvenes se preparan para un fin del mundo que no esperan, y que no se prevée cercano. Pero lo hacen desde la vertiente molona, la del cinéfilo fetichista con ansias de presumir. Y es que Woodrow y Aiden dedican toda su exiatencia a prepararse a lo Mel Gibson en Mad Max: pretenden construir un lanzallamas y adaptarse el coche para que sea como el del policía en la primera película de la serie. Pero cuando su misión avanza a mejor ritmo, se cruza una chica en sus vidas que pone del revés sus pretensiones.Esta cinta tiene muchos puntos interesantes, partiendo de su fotografía saturada y con mucho ruido (emulando que ya si estuvieran en pleno fin del mundo), hasta un montaje entrecortado y redundante que le da un toque onírico y fantástico muy interesante. Otro punto que destaca es el personaje principal, cuya evolución a tipo duro y sanguinario se desencadena al mismo tiempo que la disolución de todas las relaciones personales. Ser el director, el guionista, el protagonista y realizar semejante cierre catártico a una relación personal fallida, tiene que molar, y mucho.

The Moth Diaries (Mary Harron, 2011)
(con la presencia de la directora)
Innecesaria, tópica, mediocre y más viniendo de la directora de American Psycho. Pero lo peor es que también firma el guión de esta nueva adaptación del mito vampírico de Carmilla. Voy a ser como la directora y no intentaré ser original ni sorprendente: esta película abraza toditos los clichés del cine vampírico. Al menos los de Stephenie Meyer brillan en algo.

REM (Javier Ferreiro y María Sosa Betancor, 2011)
Excelente cortometraje lleno de misterio y miedo a lo desconocido. Tres personajes se dejan llevar por lo irracional porque creen que es la única salida de una situación que no comprenden. Y el espectador tampoco, y se tiene que dejar llevar por los sueños de dos niñas narcolépticas atrapadas en ese bosque tan gélido. Todos (los personajes, los espectadores), atrapados por esas ramas y ese horror incomprensible, avocados al desastre o la liberación. O ambos a la vez.

Meat (Victor Nieuwenhuijs y Maartje Seyferth, 2010)
Fantasías perversas, carne de comer y de poseer, y un alucinado periplo por la alteridad. Meat no engaña y ofrecen lo que muestra su cartel sexo en cadena de montaje, y esta pareja de directores holandeses puede que pretendan realizar una crítica de la sociedad de consumo rápido, pero también puede que sea una crítica a la explotación sexual. La cosa es que era tarde, estaba cansado, y lo sórdido de la escenografía y ese duo protagonista que se convierte en uno me perturbó lo suficiente para que no acabara de encontrarle la gracia.

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desde sitges 2011... (IV)

2011-10-14T01:08:00.000+02:00

domingo 9

Another Earth (Mike Cahill, 2011)

No sé si este año es el festival de las A.I., porque no he visto más robots que las suecas extraterrestres de S.O.S. Invasión, y no era dentro de competición, ni había mucha Inteligencia. Pero de lo que seguro sí que trata el presente certamen es sobre la ciencia ficción de baja intensidad, más accesoria que nunca, ya que parece que todo lo fantástico que sucede, queda fuera de plano. Y Another Earth es el mejor ejemplo de ello.

La aparición de esa Tierra 2 no afecta de manera especial las vidas de los protagonistas de esta cinta. Y es que bastante tienen con preocuparse por llevar encima todas las cargas vitales que han caído sobre ellos, como para sentir poco más que curiosidad ante la idea de que haya unos alter egos especulares a unos pocos cientos de miles de kilometros. Pero esta película no indaga en la parte científica, si no en la difícil relación de los personajes y sobre todo en sus sentimientos, consiguiendo una obra de delicada belleza. No es difícil enamorarse de esos personajes y no se puede hacer otra cosa que alegrarse y recobrar esperanzas ante el sutil giro argumental final. De momento, otra de mis favoritas del año.

Les Contes de la Nuit (Michel Ocelot, 2011)
(Con la ptesencia del director)
Revisando varias historias tradicionales, Les Contes de la Nuit reinventa el teatro de sombras chinas convirtiéndolo en una filmoteca - laboratorio cinematográfico donde tres personajes se reparten los papeles mientras discuten sobre las moralejas, y nos conceden un tiempo para reflexionar. A pesar de que es correctísima, le encuentro a faltar un poco más de complejidad, incluso si está dirigida a un público infantil. Y el 3D vuelve a ser inecesario y poco productivo, como es ya habitual.

The Mortician (Gareth Maxwell, 2011)
(con la presencia del director)
The Mortician es tediosa, aburrida, dispersa y no llega a nada. Y eso que sabe aprovechar algunas ideas interesantes sobre el 3D (en vez de sacar la película de la pantalla, introduce al espectador con una excelente concepción de la profundidad) y plantea un personaje protagonista misterioso y exéntrico, pero por culpa de lo disperso del guión queda tan apartado de la trama real, que no consigue, irónicamente, tener ninguna profundidad. Total, que por mucho que pueda llamar la atención, no funciona en absoluto.

Carabas (F.Calvelo, 2011)
(Con la presencia del director y de los actores)
Calvelo ya es un experto en colar cortos en la sección oficial, y esa veteranía hace sonar todas las alarmas en Carabas, del que no cuesta mucho entrever que está diseñado expresamente para el público de Sitges: Monstruos, gritos, susurros, lenguajes bizarros y una voz en off en japonés, asesinatos, y siempre mucha locura. Y es que si en algo destaca el autor es en adaptar lo más icónico de sus directores fetiches (en este caso, sobresale sobre todos Shinya Tsukamoto) y reciclarlo con claras intenciones estéticas. Porque eso es sobre todo Carabas, un nuevo ejercicio estilístico, provocador y muy divertido, en el que Calvelo nos propone reirnos de lo extraño y del cine en si mismo, demostrando que incluso una escena rodada con un teléfono móvil puede ser aplaudida en el gigantesco Auditori del Melià Sitges. Y todo en este cortometraje es un arma de dispersión argumental, subterfugios estetas que narran la historia de forma tan válida como como cualquier discurso narrativo tradicional.

Verbo (Eduardo Chapero-Jackson, 2011)
(Con la presencia del director y de parte del reparto)
Es difícil reseñar esta película sin caer en la descalificación. Sería simplemente correcta, por el percentil bajo, si no estuviera completamente equivocada en sus principales ideas.

Como no sé qué más decir, si hago un sondeo entre cervezas, y buena gente en general, puedo sacar lo siguiente:
"Una mierda pinchada en un palo untada en mierda". "Y a macarena gómez le faltan tentáculos". "Mierda, yo tenía ganas de verla".

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Sitges 11: Revenge: A Love Story (Ching-Po Wong, 2010)

2011-10-11T12:42:00.000+02:00

El Horror tiene muchas capas, y Revenge: A Love Story pretende ir desentrelazandolas todas: La policía investiga a un asesino en serie que está mutilando mujeres embarazadas. El MO es terrible, ya que también mata a sus maridos y extrae los fetos, y los medios no tardan en hacerse eco. Las autoridades pronto tienen un sospechoso al que no es difícil localizar y capturar, comenzando así una espiral de tortura policial. Pero entonces el argumento se detiene ahí, y comienza a saltar de un flashback a otro para desarrollar una historia de terrible injusticia, desesperación y amor incondicional.

Y si a ese interesante guión le sumamos un excelente pericia técnica en la planificación de escenas y en la colocación de la cámara (esos contrapicados son a la vez tan sencillos y tan buen recurso para indicar nuestra superioridad moral sobre la escena...), y una perfecta banda sonora, tan sutil que aparece sólo en los momentos precisos, que bien podría ser una de las películas de este año.

Pero para mi gusto al final se pierde en discursos morales fuera de lugar cuando la posición del director ha sido tan poco neutra y tan excesiva durante el resto de la película. El desenlace es desmesurado en todos los sentidos, ya sea por la propia moralina del mensaje que quiere meter con calzador (como si acabando se hubiera dado cuenta de que la historia era demasiado anárquica y quisiera encauzarla hacia un objetivo al que había olvidado dirigirse desde el principio), o por ese extra bonus de new age bienintencionada y estúpida.

En global, el envoltorio parece una hiperviolenta película koreana, pero con pistolas (no olvidemos que los chinos son lo amos de las películas de tiros). Pero el contenido acaba siendo, por así decirlo, remilgado, con imágenes poéticas de los regueros de sangre de los antagonistas dibujando juntos caminos que los unen, y giros vitales extraños. Y eso cuando lo que había mostrado hasta ese momento era genuinamente horrible, perturbador y nauseabundo.

Extraño, en todo caso.

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desde sitges 2011... (III)

2011-10-11T07:09:00.002+02:00

sábado 8

Mientras Duermes (Jaume Balagueró, 2011)
Primero, Luís Tosar es un actor increíble y cuando se pone a acojonar es un uténtico fenómeno. Y luego que Balagueró ha madurado muchísimo, y se muestra sobrio y contenido en este relato sobre el horror de una personalidad antisocial que, para desgracia de su entorno, trabaja de cara al público. Sutil en todo momento, ese conserje incapaz de ser feliz se va inmiscuyendo en la vida de los vecinos de su edificio para hacer sus vidas penosas y desgraciadas, con especial dedicación en el personaje de Marta Etura, un verdadero reto por ser de esas personas optimistas que ven siempre lo bueno de las cosas. Así, en un tono corrosivo cercano a la comedia se desencadena un horror de baja intensidad pero tan terrible como el de traca y casquería. Como el punto de vista es en todo momento el del asaltante, es sorprendente identificar los recursos fílmicos (como puede ser el uso de la intensidad de la música para subrayar la tensión de ser descubierto, en vez de poner énfasis en la indefensión de la víctima) con los que consigue que sintamos empatía con ese monstruo.

Arirang (KIM-KI Duk, 2011)
La sorpresa más grata que me he llevado de momento. Con una cámara Mark II, el director se retrata a sí mismo tras tres años de retiro voluntario. A través de la representación de varias voces interiores y de un montaje consciente y muy premeditado, el director analiza los porqués de su huída, de su necesidad de replantearse su existencia pasada y futura, y de la imposibilidd de mantenerse más tiempo alejado del cine. Mientras un KIM-KI Duk doliente justifiva su actual estado delante de su inquisitivo y alter ego pre retiro, el KIM-KI Duk resultante procede a montar el resultado de su lucha vital. Y al final ganan las ganas de cine, ya que se desdobla en varios personajes más (incluso el actor que lleva dentro) para conseguir un final impactante propio de su filmografía anterior. Estoy completamente enamorado de esta película.

Attack the Block (Joe Cornish, 2011)

(con la presencia del director)
Sin duda, la mejor del presente año, por el momento. Y apuesta segura para aparecer en la parrilla de premios. Porque es difícil mejorar ese ritmo endiablado que adquiere desde los primeros instantes (la música tiene parte de culpa, por supuesto) y porque la acción no decae, más al contrario, el crescendo va ganando tintes épicos y no cede terreno en ningún momento. Y es que esta historia sobre una invasión alienígena que se encuentra con una barrera difícil de superar (esa banda juvenil que pretende defender su bloque ante cualquier enemigo) queda perfectamente definida con las palabras de su director cuando la etiqueta como Super8 + 8 Millas. Porque lo importante aquí son los niños y cómo se va haciendo explícita su personalidad. Y hay que olvidarse de los grupos de niños ochenteros al estilo de Monster Squad. Estamos en tiempos difíciles y ahora las cosas no son tan dulces como las recordamos de nuestra infancia. Imaginen a los pequeños de The Wire, dando sus primeros pasos en el mundo del tráfico de drogas, casi sin haber pasado por la inocencia de la niñez (maravillosos los personajes de los más jóvenes, Problems y Mayhem) se decantan por el bando de los malos porque es lo que viven en su día a día. Y a pesar de todo ello, acaban convirtiéndose en un supergrupo heróico como lo eran los niños buenos de las viejas películas de aventuras de la productora de Tito Spielberg. El sino de lo tiempos. Me pregunto qué sería de los Critters si dieran con nuestro planeta en la época actual... Porque permítanme que lo diga, pero estos aliens peludos de dientes fluorescentes són bastante más terribles que las adorables bolitas dentudas de nuestro amable recuerdo.

S.O.S. Invasión (cinebasura)
Hay una única manera de acercarse a este despropósito de ciencia ficción, y es a través del humor. Y Viruete y Paco Fox lo saben y son expertos en reírse de todo. Por eso, la sesión que prepararon de su Cinebasura no podía tener mejor objeto de análisis. S.O.S. Invasión es infumable y sin esos dos muchachos pisando los diálogos estúpidos y remarcando los fallos garrafales, la sesión hubiera acabado de una forma muy diferente. No lo intenten en casa!

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Sitges 11: The Yellow Sea (Hong-jin Na, 2010)

2011-10-10T21:46:00.000+02:00

Con ésta hay que ponerse serio.

Cada año hay en este Festival de Cine una película coreana que deja una huella profunda. No hace falta pensar mucho para nombrar un buen puñado: Seom, Memories of Murder, OldBoy, The Host, I Saw the Devil o Bedevilled. Y en la presente edición, mucho han de mejorar las cosas para que la que ostente ese título no sea The Yellow Sea.

Y es que tiene todo lo que el fan de la denominación de origen "acción hiperviolenta sin armas de fuego" pueda esperar, pero sumando una historia de gran profundidad social sin los artificios de las últimas producciones chinas (Dream Home era interesante, pero sin duda excesivamente artificiosa) y narrada con el desgarro y solemnidad que caracteriza al propio protagonista. Y es ese punto el que da una fuerza inusitada a esta película, ese protagonista en constante persecución de una salida que no acepta como inalcanzable: ha decidido apostar a una jugada concreta, y no aceptará levantarse de la mesa hasta que se quede sin un sólo yuan que gastarse. Es un personaje tan bien perfilado que, en algún momento del metraje, llegan a describirlo como álguien al que por mucho que machaquen no se le puede tener lástima. Y no es porque no se pueda empatizar con él, es porque es un sujeto más que humilde pero rotundo, fuerte, que no parece necesitar consuelo a pesar de estar completamente desamparado. Y es que además lo está en una situación límite en todos los aspectos vitales, que no tiene otra dirección que tomar que seguir hacia adelante, ejemplificando tanto el drama de la inmigración ilegal, como la situación de los apátridas a causa de leyes fronterizas estúpidas y arbitrarias.

Pero no se crean, a pesar de la profundidad de ese periplo sin futuro de miseria y muerte, lo que más hace destacar a esta película (Corea nunca decepciona) es su concepción de la violencia, brutal y testosterónica, siendo lo más ejemplificador su ritualización del uso de las hachas en el entorno de dominación masculina, y su fijación con los personajes femeninos como simples receptores de una violencia muchas veces poco más que argumental.

Y todo ello coronado con una historia de odios cruzados y enredos que, como siempre, una vez desentrelazada por completo la trama, es resultado del más nimio de los catalizadores.

Si es que los celos y el miedo a perder al otro se pueden etiquetar como nimiedades...

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Sitges 11: Saint (Dick Maas, 2011)

2011-10-08T20:57:00.000+02:00

Si bien se hace extraño adentrarse en una película que arranca como si fuera su propio trailer (con ese intertítulo que narra “Tus padres te han dicho que ÉL no existe”), al menos parece que intenta dejar claro cuáles son sus intenciones: entretener a ese espectador juvenil y descreído que busca comicidad y mala leche a partir de las subversión de las tradiciones parentales. Aunque es una falsa sensación de entendimeinto, porque pronto queda claro que la película ni siquiera se acerca a otras con las mismas pretensiones, argumentos similares y muchísima más fortuna y bienhacer.

Y es que no creo que deba recordarles cuáles son los motivos por los que la fabulosa Rare Exports fue la cinta que ganó el festival el año pasado... Pues poco de aquello se puede encontrar en Saint. Con una premisa muy similar, pero convertida en una cinta adolescente en vez del punto de vista infantil que tenía la película finlandesa, esta versión truculenta de la leyenda de San Nicolás parece más un homenmaje sobre las cintas de los 80 de este subgénero del slasher al estilo Silent Night, Deadly Night que una reinvención moderna con toques sobrenaturales. Y lo parece tanto porque hasta la ambientación y el vestuario parece querer llevarnos atrás en el tiempo de una forma un tanto confusa (incluso las indicaciones temporales que se empeñan en darnos están equivocadas, porque 1968 + 32 no es ni de cerca “EN LA ACTUALIDAD”).

Entonces me pregunto, ¿no será que el director se ha quedado estancado en tiempos mejores de su cine y no es capaz de dar nada especial y nuevo? Porque no se a vds., pero recuerdo que su obra De Lift marcó tanto mi infancia como que durante mucho tiempo miraba con bastante recelo a los ascensores. Pero Saint parece rescatada de una época pasada y ya obsoleta, y no hay una sola muestra de que se haya rodado en 2010 (si hasta los móviles son antiguos, pero tampoco lo suficiente como para ser una broma). Esta asincronía no sería un problema si fuera un guiño, pero no he sabido encontrar rastros de intertextualidad en ese argumento. La verdad es que me ha decepcionado bastante.

Supongo que la huella en la nieve de Rare Export es demasiado profunda.

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desde sitges 2011... (II)

2011-10-07T22:13:00.005+02:00

viernes 7

Intruders (Juan Carlos Fresnadillo, 2011)
(con la presencia del director)
A pesar de su planteamiento convencional, y su guión simple, y hasta diría que tramposo, intruders acierta con un montaje de dos historias que tienen como destino final la colisión de sus personajes. Paso a paso, ambas familias perseguidas por ese fantasma del pasado pasan a ser una unidad indivisible, por un no por previsible menos interesante giro de guión. Con (demasiados) puntos en común con demasiadas películas de ese subgénero de niños perseguidos por seres del más allá, Intruders tiene como mejor baza que cuenta con grandes actores, incluyendo los jóvenes, que al tomarse con seriedad su papel afianzan una serie de curiosos giros de guión.

The Divide (Xavier Gens, 2011)
(con la presencia del director, y de varios actores)
Al fin una película disfrutable sin ningún tipo de impedimentos. Esta generación del horror francés pocas veces decepciona, y aunque no encontramos aquí el crudeza de las escenas al límite a las que nos ha acostumbrado el director en anteriores cintas, no escatima en muestras del horror ultramundano del que es capaz el ser humano en situaciones límite. Aquí la tipica heroína de Gens, que eventualmente ha de tomar duras decisiones para la propia supervivencia, se encuentra encerrada junto con una serie de personajes de lo más común en un refugio tras el holocauto nuclear. Pero poco a poco se desencadena el horror y la locura en una de serie actuaciones espectaculares (de las que no se esperan) de unos actores magistralmente dirigidos. Horror entre la ciencia ficción y el cine carcelario, la película escarba en la desconfianza al principio, y la dominación sexual al final (terrible el papel que le ha tocado a Rosanna Arquette). Espectacular también la degradación física (más allá del mero maquillaje) que acompaña a los protagonistas mientras el miedo a la muerte les degrada moralmente y la radiación hace su progresivo pero efectivo trabajo.

Saved (Stuart Elliott, 2011)
(con la presencia del director)
De nuevo, un cortometraje técnicamente impecable, pero que no acaba de llegar a destacar. La idea es nítida y sencilla: identificar un apocalípsis vírico con uno bíblico, y cómo se puede entender la muerte como una salvación del horror terrenal. Niños, fundamentalismo religioso y un increíble paisaje nevado que pilló por sorpresa hasta al mismísimo director. Y yo que iba a decir que eso era lo mejor del cortometraje...

Contagion (Stephen Soderbergh, 2011)
Soderbergh ha hecho con esta película al cine de catástrofes lo que Max Brooks hizo con World War Z al cine de zombies: ha construído unos cimientos sólidos y exhaustivos a partir de retazos y aproximaciones, y lo presenta todo empaquetadito y superentretenido para que se pueda tragar con facilidad. Pero no es por acumulación por lo que destaca Contagion, es por lo bien trenzadas que están todas las historiad vitales con las que juega. Pero esto también tiene una doble cara, y es que hay tantos personajes principales que, a pesar de su elongado metraje, hay algunas de sus rutilantes estrellas que parece que se han dejado lo mejor de su actuación en la mesa de montaje

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desde sitges 2011... (I)

2011-10-07T14:38:00.008+02:00

jueves 6

boro in the box (Bertrand Mandico, 2011)
Cortometraje de los que se pueden denominar como matadores. A pesar de que tanto el tema como las metáforas que utiliza puedan resultar interesantes, sólo por su extremada pretencisidad y por su desafortunado formato (narrar la historia del protagonista a través de letras del abecedario) durante 40 larguísimos minutos, se acaba convirtiendo en una sucesión de anécdotas de vida al límite de lo insufrible. Lamento que sin duda haya afectado a la película que la acompañaba.

La Mujer del Eternauta (Adán Aliaga, 2011)
(con la presencia del director)
Lo que debería haber sido un interesantísimo documental, se ve lastado por el corto (más bien mediometraje) que lo acompañaba, y, por qué no?, por su incapacidad de centrarse en el tema, y sumirse en divagaciones visuales y circunloquios que no parecen tener ganas de explicar la historia. Y es que la biografía del dibujante de El Eternauta podía haber sido un tema muy interesante del que partir para narrar el horror de la dictadura argentina, pudiendo jugar con la clara doble lectura del cómic, pero se entretiene demasiado con naderías costumbristas. o al menos lo hace en los primeros minutos de metraje, ya que el compañero Lasmarías y un servidor nos rendimos durante una escena de discusión doméstica sobre pan de molde y frigoríficos. Me han comentado que después se encarrila, pero para nosotros ha sido un arranque de festival decepcionante.

Murder Farm (Bettina Oberli, 2009)
(con la presencia de la directora)
Cruda y violenta en cada una de sus escenas, todos los planos, todas las líneas de guión y cada encuadre del paisaje parecen diseñadas para herir al espectador. Y es que la historia lo merece: una pequeña comunidad es testigo silencioso de el terrible asesinato de de una familia en su propia granja. Años después, una joven vuelve al pueblo por el funeral de su madre y su sola presencia desencadena que todos los habitantes se liberen de las ataduras autoimpuestas e intenten descubrir al culpable. La mujer como desencadenante inconsciente (a ella no le importa quién lo hizo) es una figura interesante, pero en ocasiones la película peca de simpleza al poner en marcha la catarsis a través de conversaciones forzadas y fuera de lugar. En su formato y argumento, tiene muchos puntos en común con La Cinta Blanca, a pesar de que carece de su clasicismo y está claramente narrada desde un punto de vista femenino que le añade varias capas sentimentales de las que carece la película de Haneke.

En definitiva, película dura y sin concesiones para una noche inuaugural de Sitges en la que no tenía nada que perder. En otra ocasión quizá me hubiera interesado más, o no.

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Sitges 11: Haunters (Kim Min-suk, 2010)

2011-10-07T10:02:00.000+02:00

Partiendo de una estructura argumental y narrativa semejante a la de El Protegido e introduciendo las capacidades sobrehumanas en una historia que arranca como horror sobrenatural pero que pronto da un vuelco hacia la convencionalidad de una historia con algunas pinceladas de humor excéntrico (como pueden ser esos dos extranjeros, completamente adaptados a la sociedad coreana, aunque nadie parece darse cuenta). Así se presenta Haunters, fábula sangrienta sobre la convivencia y el respeto, llevada al límite a través de dos personajes completamente antitéticos (pocas veces se pueden ver dos personajes tan poco identificables) que desencadenan una espiral de muertes alucinantes a partir del momento en que sus vidas se cruzan.

El joven Cho-In tiene una asombrosa habilidad: es capaz de controlar a cualquier persona que esté en su radio de visión. De niño sus padres veían este poder como una maldición, por lo que el pequeño se vio forzado a acabar con su padre (y casi con su madre) en defensa propia. Ese suceso y la doble pulsión hacia el resto de la gente (entre el horror y el menosprecio) le han convertido en una persona solitaria y aislada de la sociedad. Sólo interactúa con el resto de gente para conseguir dinero y satisfacer sus deseos. Esa soledad y la capacidad para pasar desapercibido (forzando a la gente a obviar su presencia) le ha convertido en una persona casi omnipotente, ya que nadie a su alrededor puede hacer nada que no él no permita. Pero llega un día que se encuentra con Kyu-Nam, un joven bonachón y despreocupado al que no le afectan los poderes de Cho-In y es capaz de tener voluntad propia en su presencia. Su encontronazo provoca un shock en los dos personajes, y así empieza la mutua persecución de dos seres con sorprendentes capacidades que pone en marcha los mecanismos dramáticos de una auténtica tragedia.

Quizás, lo mejor de la película es que lejos de intentar mantener forzosamente el misterio de los poderes de Kyu-Nam hasta el manido giro final, en Haunters las fuerzas que son capaces de desencadenar los protagonistas se van mostrando tan paulativamente como les son necesarias, como mero recurso adaptativo, y cuando al fin comienzan los títulos de crédito me queda la sensación de que no haber sido testigo de todo lo que podrían haber llegado a ser esos personajes.

Sensación la mar de motivadora y placentera , a qué negarlo...

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sobre arte, quilópodos y por supuesto, sexo.

2011-09-27T15:53:00.004+02:00

Retomo una sección que nunca llegó a serlo en realidad. Y la había mantenido congelada e inexistente porque en los últimos tiempos pocas veces me he emocionado (en el sentido amplio de sentir cualquier emoción) viendo el cartel promocional una película. En el pasado recuerdo haber hablado sobre las reglas del juego, sobre los maravillosos posters polacos, y de los impactantes carteles de ambas Hostel [1] y [2] (más un bonus) y lo que implican. También he pasado por encima de algunos que destacan por la zona baja, como The Omen 666 o 30 días de noche. Y lamento haberme dejado por comentar cosas sobresalientes como los valientes carteles de Harry Potter y el Príncipe Mestizo (con los personajes desencuadrados y hasta el propio nombre cercenado por los márgenes).

Pero un nuevo cartel ha activado mi necesidad de poner en marcha esta sección invisible, y es el tremendo póster promocional de The Human Centipede 2: Full Sequence.

Si el cartel de la primera película estaba lleno de misterio, repulsión, desaprobación, y dejaba una gran cantidad de información a la imaginación del espectador, la nueva imagen opta por la escalofriante representación sin cortapisas de la motivación de la película. Ahora acabo de sentir un escalofrío: En una regla de tres directa, y si extrapolamos la “sutilidad” de la original Human Centipede: First Sequence, la segunda parte debe tender al despropósito dantesco…

En todo caso, esta imagen es llamativa en muchos sentidos. Y el principal es esa terrible diagonal en forma de cicatriz retorcida y cruenta que sin un repaso detallado no adquiere significado. Poco a poco vemos ese orgánico constructo de decenas de espaldas, gusanoide y desagradable. Un miriápodo vicioso que me plantea algunas preguntas: ¿Qué pensará cualquier espectador neófito en la saga al ver ese puzzle casi sexual? ¿Se imaginará lo que conlleva detrás? ¿Sin ese ruido y arañazos añadidos digitalmente se puede uno plantear el verdadero argumento que esboza? Y es que, a pesar de que cae en el recurso fácil de photoshopear ruido para darle mal rollo, ese aspecto añejo está tan sobado en este tipo de trabajos que consigue el efecto contrario: No parece una imagen truculenta desgastada por el tiempo y el mal uso, sino que parece una simple imagen retocada digitalmente. Aun así, dudo mucho que el póster de “El Ciempiés Humano 2: Secuencia Completa” pueda ser interpretado como una película pornográfica cualquiera.

Por eso, un consejo: no se confundan.

En ningún caso intenten videar esta película para tocarse.

Créanme.

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Sitges 11: Noticias Sección Oficial Fantàstic Competición Cortos. Estreno de Carabás, de F.Calvelo

2011-09-26T21:35:00.008+02:00

El día 9 de Octubre a las 20:45 en el Auditori Melià, tendrá lugar el estreno del último trabajo del realizador gallego F.Calvelo, “Carabás”, enmarcado en la Sección Oficial Fantàstic a competición del Festival de Sitges y proyectado conjuntamente con la película Verbo de Eduardo Chapero-Jackson.

Rodado en A Coruña con la colaboración del autor japonés George Ujiie, Carabás es una historia de terror que gira en torno a la misteriosa desaparición de Isabel, y de como su búsqueda lleva al descubrimiento de una enfermedad oculta, El Sindrome de Carabás.

CARABAS (Trailer) from babeco on Vimeo.

Puedes encontrar más información aquí: www.carabas.eu

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Sitges 11: Presentación Clausura y Sección Oficial Fantàstic Competición

2011-09-24T06:59:00.010+02:00

La esperada precuela de The Thing
clausurará SITGES 2011

Las últimas películas de Francis Ford Coppola, Kevin Smith y del dúo Alexandre Bustillo y Julien Maury completan la sección Oficial Fantàstic

SITGES 2011 – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya cierra su programación con el anuncio de The Thing (2011) como película de clausura. La esperada precuela del clásico de John Carpenter, esta vez llevado a cabo por el director novel Matthijs van Heijningen Jr., será la encargada de cerrar los 10 días de festival. La película investiga los hechos ocurridos en la base noruega vecina a la norte-americana donde se desarrollaba la historia de 1982, desvelando así lo que en aquella se mostraba sólo en pistas, y contestando a esperadas preguntas, como la naturaleza del alienígena que siembra el terror en la Antártida.

Por otra parte, el festival sigue presentando en su programación grandes firmas del cine contemporáneo como los últimos films de Francis Ford Coppola Twixt, un film de terror en 3D; Kevin Smith con su visión aterradora del fundamentalismo religioso en Red State o el retorno de una pareja descubierta en Sitges con A l’intérieur hace unos años, Alexandre Bustillo y Julien Maury que presentarán su nuevo trabajo Livide.

Sección Oficial Fantàstic en Competición:

Another Earth: una historia de redención entorno al personaje de una joven traumatizada por una tragedia de su pasado y que encontrará en un extraño fenómeno, como la aparición de una réplica de la Tierra en una órbita cercana, la respuesta a sus innumerables interrogantes. Este film de Mike Cahill fue una de las triunfadoras de Sundance 2011.
The Divide: Xavier Gens, director de Frontieres, vuelve con el apocalipsis como bandera para mostrar la relación entre un grupo de supervivientes de una explosión en Nueva York que se encierra en un búnquer esperando que la pesadilla acabe. Un film de ciencia ficción con ecos de paranoia post 11-S.
Hell: Roland Emmerich apadrina este thriller postapocalíptico dirigido por Tim Fehlbaum que anuncia la barbarie de una sociedad que sólo cree en la supervivencia tras un desastre que ha convertido el planeta en un verdadero infierno de temperaturas insoportables.
Livide: los controvertidos directores franceses Alexandre Bustillo y Julien Maury (A l’intérieur) vuelven ahora con una libre versión de los cuentos infantiles y un homenaje en toda regla al cine clásico de horror desde la Hammer al cine del mismísimo Mario Bava.
Lobos de Arga: la licantropía y el humor se unen en esta producción española dirigida por Juan Martínez Moreno con un trío de ases: Carlos Areces, Gorka Otxoa y Manuel Manquiña. El cine español recupera así una temática clásica como la del hombre lobo con un fino toque paródico que implica que estemos ante una digna sucesora de El bosque del lobo o las películas de Paul Naschy.
Red State: Kevin Smith vuelve a dirigir un film distante a sus anteriores (Persiguiendo a Amy, Clerks) retratando con destellos del cine de Rob Zombie la América profunda a través de una secta. Un grupo de adolescentes se encuentra con unos fundamentalistas religiosos, hecho que provocará una violenta lucha cuando los SWAT intervienen. Estupendas interpretaciones a cargo de John Goodman, Michael Parks y la oscarizada Melissa Leo.
Saint: siguiendo la estela de la ganadora de la pasada edición, Rare Exports: A Christimans Tale, el director Dick Maas (famoso por films de culto como El ascensor o Amsterdamned) presenta a San Nicolau como el protagonista de este film de terror adolescente que conecta con el mejor cine de género de los años 80.
The Woman: el polémico novelista Jack Ketchum, junto al director Lucky Mckee, vuelve con la actriz de Offspring Pollyanna McIntosh en un film donde una familia “corriente” tendrá secuestrada a una salvaje en una bodega de su finca. Una reflexión entorno a los mecanismos internos de violencia en el seno de una familia típica americana.

Sección Oficial Fantàstic Panorama:

Apollo 18: el español Gonzalo López-Gallego (El rey de la montaña) presenta un falso documental sobre un viaje a la Luna, gráficamente tan espectacular que la misma NASA ha tenido que informar que no les han proporcionada nada de material para completar el film. Un Paranormal Activity en clave de ciencia ficción.
Detention: presentada en SXSW con gran éxito de crítica y público, Joseph Kahn describe los malos momentos de la adolescencia a partir de una comedia descarada, sanguinaria y con algunos toques de ciencia ficción que muchos han definido como el Scream de las nuevas generaciones.
Extraterrestre: después de presentar Los cronocrímenes en el 2007 (los americanos ya han comprado los derechos para el remake) Nacho Vigalondo vuelve con esta comedia con trasfondo de ciencia ficción que se revela como uno de los films más originales, divertidos y redondos del año.
The Innkeepers: el director de la magnífica The house of the devil, Ti West, vuelve a la carga con un film lleno de suspense, sustos y alguna que otra carcajada donde los protagonistas intentarán demostrar con una grabadora y una linterna que un hotel está encantado.
Pouler aux prunes: Los creadores de Persépolis, Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud, vuelven a la carga con una nueva adaptación de un cómic de Marjane Satrapi. Un reputado violinista iraní intenta encontrar sin éxito un nuevo violín en esta emocionante historia a medio camino entre la animación y la imagen real.
Twixt: Francis Ford Coppola dirige a Val Kilmer en un film de asesinatos, fantasmas y alguna otra sorpresa, basado en un propio sueño del director donde incluso se atreve a introducir como personaje al mismísimo Edgar Allan Poe. Visualmente vanguardista Coppola incluso llega a utilizar la tecnología del 3D de forma interactiva.
Verbo: el debut en el largometraje de Eduardo Chapero-Jackson se plantea como una propuesta arriesgada y valiente, en una historia donde la ciencia ficción se mezcla con una argumento de tribus urbanas juveniles que no disgustaría para nada al propio Gus Van Sant. La ópera prima más innovadora del cine español contemporáneo que cuenta con Miguel Ángel Silvestre, Verónica Echegui y Najwa Nimri en el reparto.

Sesión Especial:

The Artist: el festival de Sitges quiere tener presente a uno de los “films acontecimiento” del año dirigido por Michel Hazanavicius. The Artist es una fantasía inolvidable entorno al cine mudo que se convierte con derecho propio al mejor homenaje que el séptimo arte se ha hecho a sí mismo. Destacar el impresionante trabajo Jean Dujardin que le valió el premio al mejor actor en el pasado Festival de Cannes.
Intruders: con el reciente pase como película inaugural en el Festival de San Sebastián, la nueva película de Juan Carlos Fresnadillo es un estudio de los terrores infantiles en formato thriller oscuro que no renuncia a momentos marcadamente fantásticos y de terror.
El Monje: brillante adaptación de una de las novelas fundacionales del género gótico (admirada por el propio Buñuel), Dominik Moll se adentra en la historia de un monasterio del siglo XVII donde un monje encuentra el camino del demonio. Cuenta con un elenco estelar como Vincent Cassel, Geraldine Chaplin y Sergi López.
Gantz y Gantz: Perfect Answer: Kei y Masaro son atropellados por un tren. De repente se encuentran en una habitación con más gente y que una bola gigante que preside el espacio les invita a participar en un juego macabro. El ganador obtendrá un premio muy buscado: volver a la vida. Adaptación en dos largometrajes de los más de treinta volúmenes del manga de Hiroya Oku con personajes de carne y hueso siguiendo la nueva moda del cine japonés al realizar adaptaciones de sus populares novelas gráficas.

Ya podéis encontrar toda la programación por días, cines y horas en la página web del festival.

Sitges 11: Presentación Sección Oficial Fantàstic Panorama

2011-09-02T16:44:00.002+02:00

Melancholia de Lars Von Trier y Contagion de Steven Soderbergh encabezan una espectacular Sección Oficial Fantàstic Panorama en SITGES 2011

La Sección Oficial Fantàstic Panorama, que complementa a la Oficial Fantàstic a Competición del festival, tendrá como gran protagonista el fin del mundo, demostrando la paranoia que se vive en la sociedad actual, un efecto derivado de los atentados del 11 de septiembre de 2001 en Estados Unidos y provocado por la obsesión en la fecha del año 2012.

Melancholia, la esperada película del director danés Lars Von Trier, será uno de los grandes títulos del certamen, con su poética visión de un cataclismo global provocado por la colisión de la Tierra con un planeta errante. Melancholia cuenta con un reparto estelar compuesto entre otros por Kirsten Dunst (gran premio de interpretación femenina en Cannes por este film), John Hurt, Kiefer Sutherland, Charlotte Gainsbourg y Charlotte Rampling.

Por otro lado, Steven Soderbergh también aborda una catástrofe global en Contagion, en este caso la propagación de un virus letal por todo el planeta. Contagion (que se presenta estos días en el festival de Venecia), cuenta también con actores de la talla de Matt Damon, Gywneth Paltrow, Marion Cotillard, Laurence Fishburne o Jude Law.

A estos títulos se suma la visión apocalíptica de Béla Tarr en la ya anunciada The Turin Horse (ganadora del Premio Especial del Jurado en el último festival de Berlín). La Sección también presentará otros grandes eventos para el cine fantástico del año como la terrorífica Don’t Be Afraid Of The Dark, producida por Guillermo Del Toro; la epopeya vampírica The Moth Diaries, a cargo de Mary Haron, la directora de American Psycho; la espectacular superproducción coreana en 3D Sector 7 o la tenebrosa versión del clásico Jane Eyre, protagonizada por Michael Fassbender. A todo ello hay que añadir Mientras duermes, el inquietante thriller psicológico de Jaume Balagueró, ya anunciado anteriormente.

Oficial Fantàstic Panorama ofrecerá también excelentes propuestas como Tatsumi, film de animación para adultos de Eric Koo, o la adrenalítica Drive, de Nicolas Winding-Refn, mejor director en el pasado festival de Cannes.

XVII Salón del Manga de Barcelona 2011

2011-08-29T17:00:00.003+02:00

Si quieren estar informados sobre todo lo referente al Salón del Manga de este año, sólo es necesario un pequeño salto [AQUÍ] al blog del compañero MadMax.

Mata ne!!

Sitges 11: Presentación Sección Noves Visions

2011-08-23T17:13:00.006+02:00

Noves Visions 2011: Selección Exquisita

Siguiendo su consolidación e influencia dentro del line-up del Festival, la sección Noves Visions se presenta este año como un espacio dedicado a las propuestas más innovadoras y transgresoras. En esta edición apuesta por la presencia de grandes autores ya consagrados así como por nuevos valores, siendo destacable la presencia de trabajos realizados por mujeres.

La selección de títulos se reparte en cuatro divisiones, de las que ofrecemos un avance a continuación:

Ficció

Una selección que combina grandes nombres del cine contemporáneo y autores jóvenes con trayectoria en el circuito de festivales.

-The Day He Arrives (Sang-soo Hong): Un juego de metalenguaje en la película más accesible del maestro coreano.
- Vampire (Shunji Iwai): El director de All About Lily Chou-Chou viaja a Norteamérica para explorar la angustia juvenil en clave genérica y homenajeando al Martin de George A. Romero.
- 22 mei (Koen Mortier): El realizador de Ex Drummer vuelve para explorar la paranoia actual post 11-S.
- 4:44: The Last Day on Earth (Abel Ferrara): Un ejercicio reflexivo e íntimo del realizador de The Addiction en torno al miedo al fin del mundo.
- Kotoko (Shinya Tsukamoto): El retorno del director de Tetsuo al cine de horror más reflexivo y transgresor.
- Hanezu no tsuki (Naomi Kawase): Una meditación en clave mitológica de la pérdida de valores trascendentes en la sociedad actual.
- La belle endormie (Catherine Breillat): Una versión muy personal y atípica del cuento de Perrault.
- The Tempest (Julie Taymor): Adaptación espectacular y fantástica de una de las más extrañas obras de Shakesperare por la realizadora de Titus y Frida.
- Le petit poucet (Marina de Van): Otra versión femenina y atípica de un famoso cuento infantil por parte de la directora de Don’t Look Back.
- Beyond the Black Rainbow (Panos Cosmatos): Inquietante ejercicio de ciencia-ficción que hunde sus raíces en la tradición del género en los años 70 y que fue una de las sensaciones del festival de Tribeca de este año.

No Ficció

Confirmación del auge del documental de creación que viene proyectándose en las pasadas ediciones del festival.

- Arirang (Kim Ki-duk): Ejercicio autoreflexivo del director de La isla, ganador de la sección Un Certain Regard en Cannes 2011.
- Magic Trip: Ken Kelsey's Search for a Kool Place (Alison Ellwood y Alex Gibney): Reconstrucción del viaje psicodélico de Ken Kelsey y un apasionante estudio de la cultura del LSD.
- Project Nim (James Marsh): El oscarizado director de Man on Wire se sumerge en un fascinante experimento sobre la inteligencia animal.
- The Bengali Detective (Philip Cox): Una mezcla de documental social y comedia que explora de manera sorprendente la compleja sociedad de la India actual.
- Knuckle (Ian Palmer): Impresionante documental sobre boxeo callejero.
- Resurrect Dead: The Mystery of the Toynbee Tiles (Jon Foy): Ganador en Sundance como mejor director de documental y un auténtico experimento de ciencia-ficción con dosis de paranoia milenarista.

Discovery

Una selección de títulos realizados desde postulados independientes, experimentales e indagando nuevas posibilidades del lenguaje cinematográfico y el género fantástico.

- Vlogger (Ricard Gras): Experimento audiovisual de producción catalana que traduce en trama de ficción la mezcla de material de la red y ficción genérica. Tendrá su estreno mundial en Sitges.
- Hellacious Acres: The Case of John Glass (Pat Tremblay): El apocalipsis como temática, esta vez jugando con texturas e imágenes y prescindiendo del diálogo.
- Invasion of the Alien Bikini (Young-doo Oh): Película de superhéroes, con grandes dosis de cultura pop y comedia enloquecida. Una sorpresa que va más allá de su título.

Dark Ficció

Una selección de propuestas de autor con vocación de culto:

- Onna no kappa (Underwater Love) (Shinji Imaoka): Indescriptible mezcla de pink eiga y musical protagonizado por una criatura mítica nipona. Con fotografía de Christopher Doyle.
- Meat (Victor Nieuwenhuijs y Maartje Seyferth): Las fantasías eróticas de un carnicero en un filme que experimenta texturas que recuerdan a Lynch o Greenaway.
- Kaidan Horror Classics (Shinya Tsukamoto, Msayuki Ochiai, Sang il-lee, Hirokazu Koreeda): Un filme ómnibus entorno a leyendas tradicionales de terror dirigidas por maestros como Tsukamoto o Koreeda.

Departamento de Prensa / premsa@sitgesfilmfestival.com
SITGES 2011 - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya
44 edición | 6-16 octubre 2011 | www.sitgesfilmfestival.com
+34 93 894 99 90 / C/ Joan Maragall, 36 (08870 Sitges, Barcelona)

Ilusiones Cortas XXXII: avant pétalos grillados (César Velasco Broca, 2006)

2011-08-07T09:27:00.006+02:00

La racionalización masturbatoria de un cortometraje pseudo-experimental es, por defecto, una soberana estupidez. Pero puesto que la sección es mía, como mínimo, les puedo dar un empujoncito:

Primero de todo, el cuerpo humano adulto y adulterado (el neonatal no sirve) como herramienta de patronaje, corte, confección, lavado y planchado. Y el proceso se interrumpe con irónico resultado

Luego, fíjense en las cualidades bipolares de ese retrofuturo cañí. La empatía está cercana, pero sabe demasiado a alteridadad.

No dejen pasar las texturas. El 16mm. es muy bonito, pero ni el ruido aquí es accesorio. ¿No está el cortometraje encabezado por ciegos que leen? Pues sean vds. “lectores” de las texturas. Todas esas superficies punteadas están ahí para llenarles de ruido lo que debería ser una lectura tranquila y plana.

Además, es puro P. K. Dick, así que tiren de toda su indefensión aprendida y gocen.

Y, maldita sea, disfruten de lo industrial (más sonoro que escenográfico), de lo constructivista y todo su hormigón, de la excelente composición fotográfica y, por supuesto, de ese viñeteado tan monísimo que lo acompaña todo.

NOTA: Este post nace de una buena noticia y de un encuentro fugaz pero ansiado, pero poco a poco retorna a recuerdos de dos grandes amigos gallegos, y al día en que uno de ellos se coló en los corazones de los fans de Ghibli. En aquel momento fue cuando el otro me dijo, muy bajito, como siempre habla él, “aquel de la gorra es Velasco”.

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sobre sangre, arena, dioses, coliseos, e infortunios ineludibles

2011-08-01T18:45:00.008+02:00

A estas alturas de la historia, que una segunda temporada supere en calidad a la primera no es algo que extrañe a nadie. Aún diría más: una serie cuyo segundo año no mejore de forma evidente, tiene los días contados.

Si dudan de esta afirmación, les diré que de acuerdo: que cuando quieran quedamos a discutir delante de unas cervezas lo bien que comienzan las terceras temporadas de Pushing Daisies, Shark, V (2009), Human Target, Jericho, Masters of Horror, o (más o menos) medio millón de teleseries más. Y aún suerte si han tenido la oportunidad de intentar expresar las bondades de sus lineas argumentales con una segunda tanda de capítulos. Porque seguro que a vds. se les ocurren otra cantidad inmensa de series que fueron canceladas cuando habían dado apenas los primeros pasos.

Pero si mejorar es casi una obligación (y a veces algo sencillo, como lo que sucedió con la escalada de tensión que marcaban las primeras temporadas de Supernatural), lo que no es normal es que haya un verdadero salto cualitativo. Y eso es exactamente lo que sucede con la segunda temporada (que no es tal, si no una secuela) de Spartacus: Blood and Sand.

Y eso que parte de una desgracia y de un intento por parchear una situación que todo el mundo esperaba temporal. Y es que, por si no lo han leído ya por otros lados, parece ser que tras terminar la emisión y asegurarse la renovación, el protagonista cae gravemente enfermo. La cadena, para darle tiempo a recuperar su papel, se saca de la manga una media temporada de transición, a modo de precuela, que permita tanto alargar la llegada de esa segunda temporada como dar un poco de profundidad a los personajes secundarios.

Y así, de Spartacus: Blood and Sand, nace Spartacus: Gods of the Arena. Y resulta que con la mitad de capítulos les sale una HISTORIAZA (así en mayúsculas) que se desprende de varios lastres de su serie madre.

Spartacus: BaS es, en pocas líneas, la historia de los inicios del esclavo tracio que encabezó una de las grandes rebeliones contra Roma: es la de Kirk Douglas, pero como si hubiera sido rodada por Zack Snyder en vez de Kubrik. Y es que lo mejor de la historia son sus efectos visuales a lo 300, sus litros de sangre, su visceralidad, su mala leche y, por supuesto, sus desnudos (una serie que es carnaza para nuestros tiempos, vamos). Pero no la esperen vacía de contenido: no creo recordar haberme cruzado en mucho tiempo una serie que estuviera tan abocada al infortunio y la tortura de sus personajes. Es, por ponerlo en palabras sencillas, el lado tenebroso de la optimistérrima Phineas y Ferb. En BaS, todo acaba saliendo de la peor de las formas, y ningún esfuerzo será realmente recompensado. Cosa que agrada durante un rato, pero acaba poniendo muy nervioso.

En BaS, todo puede acabar convirtiéndose en mierda, y además salpicar hasta al más apartado.

Y es en este punto donde Spartacus: GotA, que narra la historia de la academia de gladiadores antes de que entre el tracio revoltoso, se crece al partir de una matanza anunciada y al no tener la necesidad de hacer hincapié en las desgracias en cadena. Así los guionistas aprovechan para profundizar en la narración, despreocupados de lo malo que pasará. Y ello incluso permite que varios de los desaprovechados personajes secundarios de la primera temporada se crezcan de tal forma que se espera con ansia su retorno en la que será la tercera temporada.

Y aún hay más. Porque, aunque me sepa mal ser un poco hijoputa, el peor lastre de Spartacus: BaS es el propio Spartacus, un llorón que tarda una eternidad de capítulos en molar, y que en ningún momento se gana las simpatías del espectador ni llega a crear empatía (culpa del guión, seguro, pero una cosa no quita la otra). Por eso su desafortunada desaparición para la precuela es el gran triunfo de ésta.

Y es que ahora mismo ando más interesado en cómo sigue la historia de los personajes que aparecen en la precuela por primera vez, aunque sus historias sean cronológicamente más antiguas y estuvieran casi acabadas en la serie original. Es curioso, porque el capítulo final de GotA deja una sensación de retro-cliffhager (ya sabemos lo que pasa después, pues lo hemos presenciado antes) la mar de interesante.

Y ahora que la tercera (o segunda, según se mire) temporada está al caer con el nombre de Spartacus: Vengeance, y sin el actor original (ya que ha sido sustituido definitivamente), sólo puedo esperar que sigan con ese aumento de la calidad y se mantenga tan trepidante como la han dejado.

Sea como sea, como dice un gran amigo:
“Spartacus: Vengeance llega para hacer del mundo un lugar mejor. ¡Ya era hora, joder!”

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sobre imaginarios colectivos continuos, redundantes y expansivos

2011-07-30T08:33:00.009+02:00

Para aquél que no la haya leído: Los Muertos de Jorge Carrión presenta una apocalíptica ficción definitiva sobre la propia ficción televisiva. Y no tanto como revelación del fin de sus tiempos, si no como metáfora compleja del sufrimiento y éxodo de unos personajes que desaparecen de sus entornos vitales y reaparecen con otras identidades, otras circunstancias y otros lugares.

Pero dentro de todo este discurso ficcional enrevesado subyace una idea más simple que afecta, esta vez sí, nuestro mundo real (un mundo cada vez más hipervinculado con la ficción: si no, niéguenme que cualquier cosa que actualmente pretenda etiquetarse como metarreferencial, no debe empezar muchos escalones más arriba que lo así etiquetado hace unos años). Y es que los personajes de las series, efectivamente, mueren. Si no porque sus vidas se truncan con el transcurso de la propia historia, morirán cuando las audiencias manden y se dejen de emitir y rodar más tomas. Pero a nivel realidad, detrás de cada personaje (normalmente) existe un actor que lo interpreta. Y a no ser que ese actor fallezca realmente, seguirá trabajando, y seguirá interpretando otros personajes que pueden estar empapados de la esencia de interpretaciones anteriores, siempre dependiendo de lo que hayan calado en el público. Y si no díganme que no se imaginan a Edward James Olmos, en su traje de oficial estelar William Adama, haciendo unicornios de papel en su camarote, en sus ratos de soledad y whisky.

Se crea así un imaginario colectivo continuo, redundante y expansivo en el que cada nueva ficción que usa a actores reconocibles, acumula un bagaje tan grande que, bien jugado, puede llevar a enriquecer de forma muy inteligente las diferentes capas que forman la historia. O, por el contrario, convertirse en una lastre.

Un buen ejemplo de la primera opción es la imagen que encabeza este artículo. Dos capas yuxtapuestas perfectamente que, sin hacerlo explícito, igualan el poder de Krypton con la salubridad vegana.

En cambio, Kevin Smith no fue capaz de aprovechar de todo al John McClane que Bruce Willis lleva dentro en Vaya par de Polis. Así mismo, alguien que sí ha sabido jugar bien esta baza del imaginario colectivo es otro Bruce, “don't call me Ash” Campbell. En cada una de sus intervenciones hay un poquito de Ash, por mucho que juegue a escapar de ello. Bueno, aunque es posible que el problema principal aquí sea que hay mucho del propio Bruce en Ash, pero eso es otra historia... Otros ejemplos claros serían Nathan Fillion (¿qué decir?), o el puto amo Robert Downey Jr. Cada papel nuevo que interpretan nace lleno de matices que vienen de otros personajes anteriores, aunque también de ellos mismos.

Y entonces, ¿cómo es que no implosiona el universo (o al menos nuestras cabezas de tanta acumulación condensada) al aparecer una serie como la versión 2010 de Hawai Five-0? Por si no lo saben, echen un vistazo a su casting habitual y súmenle sus estrellas invitadas:

Alex O'Loughlin: protagonista del fallido duplo "detective-vampiro" en Moonlight, como el resto de actores afincados en la ficcion norteamericana vaga de serie en serie hasta que va llegando a papeles protagonista. Y Scott Caan: perfilado por The Entourage. Y Daniel Dae Kim, marcado para siempre por su papel en Lost. O Grace Park: Antes Boomer, o Athena, o quién sabe qué, en Galactica. Díganme que no piensan en ella, siempre, como en una cylon.

Y como estrellas invitadas, por ejemplo, Masi Oka (Hiro Nakamura en Heroes), Mark Dacascos (¿dónde no habrá salido este hombre?), Taryn Manning (recién salida de Sons of Anarchy), o el ya eternamente wedonesco James Marsters (sin colmillos esta vez)...

Y, hasta que se acabe la pasta, aumentando la lista.

Recapitulando: ¿Por qué no quedamos catatónicos ante tantas capas de información subyancente al mirar un fotograma de esa serie? Pues porque esta acumulación no es más que una estrategia comercial bastante vacía de contenido. Aparte de los secundarios (que es normal que roten de serie en serie) que grandes protagonistas de series canceladas acaben juntos bajo el mismo título no es más que un intento de aprovechar ese halo personal y arrastrarlo hacia un posible nuevo éxito. En cambio, en Hawai Five-0 no hay más que lugares comunes y naderías, y lo que debería ser un programa bigger than life, acaba siendo un cementerio de estrellas. Suerte que no existe un marcador que se ponga a cero en popularidad: los actores, por separado, seguirán formando parte de nuestra imaginación colectiva.

Y el ejemplo es fácil: cuando dentro de unos años, en alguna convención de cómics una anciana cylon y un koreano perdido en una isla hagan chistes sobre ser policías en Hawai, el ciclo estará completo.

Y si no que le pregunten a Lucifer, o al miembro del IRA Jimmy O'Phelan, por qué están haciendo chistes sobre corchos en esa isla en la que al parecer se pierde todo el mundo...

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Escenas Patéticas: Highlander: The Source (Brett Leonard, 2007)

2011-07-14T08:37:00.005+02:00

Hay veces que una escena es abominable por lo desafortunado de su planteamiento (como por ejemplo, incluir un plano desde el ojete de un gato), o simplemente por ser un destello de estupidez que destaca dentro de un guión más o menos estándar.

Pero hay cosas peores que contener una escena patética dentro de un metraje de 90 minutos de "ir tirando". Y es llamarse Highlander: The Source.

Ya es malo es que tu película destaque por una escena espantosa. Pero si esa escena es la del clímax final, algo se le ha ido de las manos al director. O al guionista, porque tiene que ser duro escribir algo que en tu cabeza tiene que estar hecho de Gloria, y luego ver que se queda en chiste humillante.

Y en una secuela de Los inmortales, ahí es nada! Porque si algo tienes fácil en el mundo del cine es hacer aceptable una cuarta secuela de una película adorable para el fándom si las partes 2, 3 y 4 són poco más que basurilla para ver en vez de los culebrones de T.V.

Pero para qué hacer lo fácil? Mejor intentar revolucionar la franquicia saltándose todas sus reglas, hacerlo con FX de aficionado armado con Adobe Premier y pocas nociones, y homenajear/burlarse de los bellos recuerdos que le puedan quedar al fan medio de la primera parte. En cuanto a esto: NO ES NECESARIO que el final boss demuestre que ha visto el clásico de Lambert vociferando who wants to live forever. Es una forma bastante idiota y fuera de lugar de rompaer la cuarta pared.

En todo caso, a la escena:
por no sé qué razón se encuentran Duncan McLeod (el de la serie) y El Guardián (el morlaco malo con corsé), en no sé qué sitio cuando se alinean los planetas (aquí tienen la película resumida en 5 minutos por si les interesa y no quieren pasar por el mal trago de verla entera). La cuestión es que allí hay tanto poder... que luchan a cámara rápida y dejando una estela. Y no porque sea un recurso dramático, no, es porque son muy poderosos y luchan así. No es adorable?

Y cómo puede acabar una pelea de espadas a cámara rápida? Pues con uno de los contendientes clavado en el suelo... porque claro, gira taaan deprisa...

En fin. Les dejo con la escena. Y además les advierto: La resolución de la historia es mucho más patética, pero es tan humillante para la saga que mejor la dejo para otro día.

NOTA: Sí, en el minuto 1:53, para más humillación, está censurado un inocente "Inmortal Fuck".

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Sitges 11: Presentación Oficial (más allá del valle inquietante)

2011-07-04T15:27:00.006+02:00

EVA inaugurará SITGES 2011 en una edición inspirada en la inteligencia artificial

SITGES 2011 se introduce en el concepto de la inteligencia artificial, revisando cómo se ha debatido en cine y cuáles son las perspectivas de futuro desde el punto vista de la ficción y de la realidad.

Con el décimo aniversario de Inteligencia Artificial (Steven Spielberg, 2000) como punto de contacto, el Festival planteará las cuestiones que inspiraron a Kubrick y Spielberg para este proyecto: la inteligencia emocional de las máquinas y la comunicación entre inteligencias sintéticas.

IMAGEN

China, la agencia de publicidad del Festival, ha desarrollado los carteles de esta edición en base a los geminoides creados por el Profesor Ishiguro en Japón. Según Rafa Antón, socio fundador de China: “Muchas veces tomamos la inteligencia artificial como algo exclusivo de la fantasía y la ciencia ficción. Pero está mucho más cerca de lo que creemos. Y la prueba es la imagen de este año: dos retratos aparentemente normales: dos personas cualquiera, pero que no son personas. Son dos robots. Y existen. Con estos carteles hemos pretendido provocar la curiosidad de la gente, que uno pueda llegar a cuestionar cosas que le parecen reales. Nos pareció buena idea jugar con esa ambigüedad."

El Festival y China agradecen la colaboración del profesor Ishiguro y su equipo en Osaka y Kioto, al fotógrafo responsable de los retratos Jose Aragón, y a la agencia Enri Mür que coordinó toda la producción.

INAUGURACIÓN

La producción catalana Eva (Escándalo Films), distribuida por Paramount Pictures y con participación internacional de empresas como Wild Bunch, inaugurará la 44 edición del Festival, el día 6 de octubre.

Eva, ópera prima de Kike Maillo, explora la ciencia ficción con un planteamiento muy coherente con el leit motiv de esta edición y es una nueva apuesta por los nuevos talentos, siguiendo la línea del Festival en los últimos años (J.A. Bayona, Guillem Morales...).

En la gala de inauguración la película será proyectada en catalán y la sesión de público posterior será en castellano, con pases en ambos idiomas para la prensa.

AVANCE DE PROGRAMACIÓN

Además, el cine de producción catalana y española contará con títulos tan esperados como:
Mientras duermes, de Jaume Balagueró, realizador que recibirá uno de los premios homenaje del Festival, la Máquina del Tiempo.
La mujer del Eternauta, de Adán Aliaga, documental en torno al cómic, una alegoría de la sociedad argentina en la época de Videla.
La coproducción hispano cubana Juan de los Muertos, visión irónica de la realidad cubana, que será el plato fuerte del día de la Zombie Walk, el 14 de octubre.
Emergo, de Carles Torrens producida por Rodrigo Cortés para Versus Entertainment.

En la participación internacional podemos destacar:
The Turin Horse, de Béla Tarr.
The yellow sea, de Na Hong-jin, director de The Chaser (Korea).
Les contes de la nuit, animación en 3D, de Michel Ocelot.
Grave encounters, dirigida por The Vicious Brothers, reciente súper éxito en Italia.
Burke and Hare, de John Landis.
Continuando con la apuesta por el cine latinoamericano de género, contaremos con producciones como Trabalhar cansa, de Brasil.

El Festival planteará de nuevo un amplio foco sobre el cine en 3D en diferentes secciones, con títulos como Sex and Zen: Extreme Ecstasy, en Midnight X- Treme, uno de los grandes éxitos de taquilla en Hong Kong, o The Mortician, de Gareth Maxwell Roberts, en Sección Oficial a Competición, una innovadora propuesta en tecnología estereoscópica.

El cine asiático continuará representado en varias películas programadas en las distintas secciones del Festival, identificadas con el sello Casa Asia.

Noves Visions (Ficción, No Ficción y Discovery), Anima’t, Nova Autoría, (con la colaboración de SGAE), Seven Chances, Brigadoon y Midnight X-Treme, las secciones principales del Festival se irán anunciando en los próximos meses.

COLABORACIONES

EGEDA, a través de EGEDA DIGITAL creará dentro de su portal FILMOTECH.COM una plataforma específica para el festival, VEOSITGES.CAT, una sala virtual donde el jurado oficial, la prensa y la industria dispondrán de códigos de acceso para el visionado de algunas películas.
En la actualidad FILMOTECH.COM integra uno de los mayores catálogos audiovisuales virtuales existentes y ha desarrollado proyectos similares en los Premios Goya o en los Premios Gaudí.

Catalan Films & TV organizará una serie de actividades en el marco del Festival el día 10 de octubre, con la jornada “Internet y Europa: retos y oportunidades para nuestro cine”, donde ponentes de diferentes países como Alemania, Francia, Bélgica, Polonia, Irlanda y Suiza, explicarán sus estrategias de distribución y promoción de cine a través de VOD.

Por la tarde habrá una jornada de Videojuegos, organizada una vez más con Televisió de Catalunya, dividida en 2 grandes bloques: “Videojuego y producción audiovisual” y “Multiplataformas” como nuevos modelos de negocio.

Por séptimo año consecutivo, el Jurado Carnet Jove, promovido por la Agència Catalana de la Joventut, otorgará dos premios: Premio a la Mejor Película de la Sección Oficial Fantàstic y Premio a la Mejor Película de la Sección Midnight X-Treme.

Departamento de Prensa
SITGES 2011 - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya
44 edición | 6-16 octubre 2011 | www.sitgesfilmfestival.com
EDIFICIO L’ESCORXADOR. C/ Joan Maragall, 36 (08870 Sitges, Barcelona)

Ilusiones Cortas XXXI: David O'Reilly - Episodio II, y al final, la maravilla a través del exceso.

2011-06-29T09:38:00.006+02:00

No es que David O'Reilly fuera un desconocido en el mundillo de la animación. Lejos de la historia del octogato, ya había participado en vídeoclips de músicos internacionales, e incluso había formado parte de Shynola, ese supergrupo de artistas que estaban detrás de las secuencias animadas de La Guía del Autoestopista Galáctico.

Pero son los cortometrajes lo que nos importa aquí de su relativamente corta carrera. Y es en este campo, además, donde más destaca, ya que es aquí donde se consagra a jugar con la belleza de la dulzura y de la crueldad, y es capaz de impactar con grandes absurdos, siendo la música la partida de todo y el punto de conexión que argamasa todo el concepto. Quizá lo más definitorio de su estilo sea que presenta sus historias con la estructura narrativa de un videojuego (que no con su formato, ojo), espacio que en la cinematografía actual se retroalimenta sin rubor de la animación tradicional y que parece el alimento/estímulo habitual de las nuevas generaciones: no hay videojuego que no contenga extensísimas secuencias animadas no (o poco) interactivas; ni película o serie que no juegue en algún momento a usar recursos que nacen de la indústria lúdica.

Sólo hay que darle un vistazo a obras como la sorprendente Wofl 2106 para entenderlo:

WOFL 2106 (HD) from David OReilly on Vimeo.

Y en el camino hacia el exceso, un corto más: Plase Say Something, donde el binomio gato/ratón significa un buen puñado de cosas nuevas:

Please Say Something from David OReilly on Vimeo.

Y es viendo este fantástico cortometraje (en el que destacan los elementos recursivos y autohomenajes, y donde se expresan y subvierten claramente las influencias animadas y tecnológicas del autor para crear un más que buen estudio sobre el abuso y el amor en las relaciones de pareja) donde se puede delimitar claramente el camino que lleva a esa magna obra que es The External World.

Mejor presentado: "entonces llega THE EXTERNAL WORLD para multiplicarlo todo por mil"

The External World

Música de piano, abuso, felix el gato, mario world, pokemons, yokais, tv, psicoanálisis, publicidad, David Lynch y sus rabbits, crueldad, cariño, drogas, japón, censura, mickey mouse, racismo, coprofilia, monstruos, out run, sexo, extraterrestres, violencia, cromas y captura de movimiento, código binario, casino, absurdos, reflexiones, ffw, cine negro, Beethoven, consoladores animales, pornotube, recursividad, autoconsciencia, esvásticas, un tambor de hojalata, agujeros dimensionales, pistolas, muertes de videojuego, fantasmas, ladrones, explosiones, comportamiento inaceptable, holocausto, ironía, suicidio, errores de sistema, baño de sangre, hipocondria, 2 girls 1 cup, errores de renderizado, crippled christ, teleseries, y al final todo se junta para disfrutar de un concierto de piano.

Casi nada.

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Ilusiones Cortas XXX: David O'Reilly - Episodio I, el Octogato que no era lo que parecía.

2011-04-03T14:08:00.006+02:00

Tirando de wikipedia [+], a partir del 13 de marzo de 2008, un usuario de youtube llamado RANDYPETERS1, un niño de 9 años de Chicago, colgó una serie de 5 videos de animación apenas bosquejados a mano sobre el Octogato, un gato rojo con ocho largas piernas que va buscando a sus padres. El éxito apabullante pronto lo convirtió en un meme en los foros de internet, llenándolo todo de imágenes del larguirucho octogato. Pero lo más destacable es que el episodio final, el colgado el 7 de septiembre, presentaba un giro insesperado...
Quedan a continuación colgados los 5 episodios, unidos y en HD:

Octocat Adventures (HD) from David OReilly on Vimeo.

La cruda animació a lo mspaint, sin dar ningún tipo de concesión, dejaba paso a un complejo entramado 3D, con orquesta y coro como banda sonora e increíbles ecos dramáticos. Si ya era difícil de creer que un niño tuviera semejante imaginario y voluntad de mostrarlo, ese final ponía las cosas en su sitio. Toda la historia del Octogato y el niño que lo creó se reveló como un subterfugio que escondía la maestría del artista de animación David O'Reilly, cuya intención con todo el proyecto no era más que demostrar "que la audiencia no necesita una animación pulida y suave para encontrar atrayente una historia. Son felices siguiendo la peor animación, el peor diseño y el peor doblaje de la historia, y seguir riendo y llorando y haciendo todas las cosas que hace viendo películas mejor acabadas".

El Arte es Resistencia!

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Comunicado Oficial del Festival de Sitges en relación a la denuncia contra Ángel Sala por la proyección de A Serbian Film en 2010

2011-03-09T21:08:00.006+01:00

SITGES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA FANTÀSTIC DE CATALUNYA
COMUNICADO en relación a la denuncia contra el Director del Festival, Ángel Sala, por la proyección de A Serbian Film en 2010

SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya quiere mostrar su total apoyo a su director Ángel Sala y a las decisiones que ha tomado en el ejercicio de su cargo.

En este sentido, y en referencia a la programación de la película A Serbian Film, el Festival quiere hacer patente que no se trata de una película pornográfica si no de una ficción de terror, y que no integra un ataque contra la indemnidad sexual de menores.

SITGES quiere agradecer los apoyos recibidos por parte de su público, de festivales de cine (1) y de personalidades destacadas del ámbito de la cultura.

A Serbian Film fue exhibida tras tomar todas las medidas informativas y de control necesarias para impedir el acceso a la proyección de cualquier persona menor de edad. Estas medidas consistieron tanto en información preventiva en los soportes de comunicación del Festival para garantizar el conocimiento del contenido de la cinta por parte de los espectadores antes de su visionado, como en la solicitud del Documento Nacional de Identidad a la entrada de la sala de proyección.

La trayectoria de esta película ha sido la habitual dentro del circuito comercial convencional, proyectándose, entre otros, en los siguientes festivales internacionales y mercados: Bruselas, Montreal (Fantasia), San Francisco, Toronto, Austin, Oporto, Sofía, Hamburgo, Helsinki, Puchon (Corea del Sur), Ravenna, y Estocolmo, entre otros.

También cabe destacar que ha ganado prestigiosos galardones como los tres premios recibidos en Montreal (Mejor Película, Premio de Oro a la Mejor Película Europea y Película Más Innovadora); el Premio Especial del Jurado en el Festival de Fantasporto en Oporto (hace menos de una semana) y el Premio al Mejor Guión en el Festival FIPRESCI en Serbia.

A Serbian Film se ha proyectado en los dos mercados de cine más prestigiosos del mundo: el Mercado y Festival de Cine de Cannes y el American Film Market en Santa Mónica, California, y será distribuida comercialmente en el Reino Unido, Canadá y EEUU.

SITGES quiere agradecer nuevamente todos los apoyos recibidos, así como mostrar su respeto por aquellas críticas que han generado un debate necesario sobre la importancia de la libertad de expresión y creación en la programación de los festivales cinematográficos.

SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya considera que ha actuado con el rigor necesario y ofreciendo a los espectadores la información previa que se requería. No obstante, la existencia de voces críticas llevará al Festival a plantear una reflexión sobre los mecanismos de información de cara al futuro, insistiendo en la protección de la infancia y la defensa de la libertad de expresión y creación, como hasta ahora ha venido haciendo.

(1) CARTA DE APOYO DE FESTIVALES DE CINE ESPAÑOLES

Los abajo firmantes, directores de festivales cinematográficos españoles, queremos dejar constancia, ante la filtración a la prensa publicada el pasado fin de semana, de nuestra extrañeza por la actuación judicial contra Ángel Sala, director de Sitges, Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, por haber incluido en la programación 2010 del citado evento, en pases sólo aptos para adultos, la película A Serbian Film, en la que se pretende ver contenidos violentos, pornográficos y contrarios a los derechos de la infancia.

Más allá de la extrañeza ante el hecho de hacer recaer la responsabilidad en un programador cultural, y no en los teóricos responsables de tales contenidos (en todo caso, el director y los productores), queremos recordar, además de nuestro apoyo a Ángel Sala, que el film se ha visto, desde el pasado año, en certámenes de ciudades como Bruselas, Montreal, Londres, Oporto, Austin, San Francisco, Toronto, Sofía, Hamburgo, Helsinki, Puchon (Corea del Sur), Ravenna y Estocolmo, entre otros. A Serbian Film, se ha proyectado además en los dos mercados de cine más prestigiosos del mundo: Cannes y el American Film Market en Santa Mónica, California. Todo ello sin que nadie haya elevado, hasta la fecha, denuncia judicial alguna contra el film, sus responsables o sus programadores.

También cabe destacar que ha ganado prestigiosos galardones como los tres premios en Montreal (Mejor Película, Premio de Oro a la Mejor Película Europea y Película más Innovadora); el Premio del Público en el Festival de Fantasporto en Oporto (hace menos de una semana) y el Premio al Mejor Guión en el Festival FIPRESCI en Serbia.
Igualmente, queremos denunciar que comportamientos como el de la Fiscalía de Barcelona parecen retrotraernos a épocas de cortapisas censoras contra la libertad de expresión y programación culturales que sinceramente creíamos que pertenecían a la Historia.

Firmantes:

Javier Angulo (Festival de Valladolid)
Josetxo Cerdán Los Arcos (Punto de Vista / Pamplona)
José Luis Cienfuegos (Festival de Gijón)
José Luis Rebordinos (Festival de San Sebastián)
Carmelo Romero (Festival de Málaga)
José Sánchez Montes (Festival de Granada / Cines del Sur)
Claudio Utrera (Festival de Las Palmas)
Javier Martín Domínguez (Festival de Sevilla)
Eduardo Trías (Festival de Huelva)
Josemi Beltrán (Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián)

Departamento de Prensa / premsa@sitgesfilmfestival.com
SITGES 2011 - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya
44 edición | 6-16 octubre 2011 | www.sitgesfilmfestival.com
EDIFICIO L’ESCORXADOR. C/ Joan Maragall, 36 (08870 Sitges, Barcelona)

y atrás quedará un montón de mierda...

2011-03-06T09:20:00.007+01:00

No deberías leer el siguiente texto si no has visto hasta el capítulo S06E16 de Supernatural.

BOBBY: Rufus lo arregló todo. Me enseñó una cosa o dos acerca de lo que hay ahí fuera. Al poco tiempo, estábamos viajando juntos. Trabajamos así durante años, éramos algo así como vosotros dos, cabezas de chorlito.
SAM: Entonces, ¿qué pasó?
BOBBY: Fue en Omaha. Fue culpa mía. Y nunca me lo perdonó.
DEAN: Bueno, debió hacerlo.
BOBBY: No sabes lo que hice, Dean.
DEAN: No importa.
BOBBY: ¿Qué que quieres decir con...?
DEAN: Quiero decir que cuando acaba el día, los dos seguís siendo familia. La vida es corta, y las nuestras son más cortas que las de la mayoría. ¿Vamos simplemente a resignarnos? Al final algo nos pillará, y cuando me arranquen las tripas, solo vosotros dos sabréis que somos buenos... Disculpa general por toda la mierda que hayamos provocado.
SAM: Algunos de nosotros removió un buen montón de mierda, Dean.
DEAN: Bien, borrón y cuenta nueva.
SAM: Bien.

No volveré a insistir en altibajos ni me adentraré en posibles decepciones, y mucho menos después de asisitir con la boca abierta a uno de los mejores capítulos de serie del presente año, con el fabuloso (y divertidísimo) S06E15 - The French Mistake (episodio de esos que hacen cambiar la definición de metanarrativa). Pero a pesar de contar con algunas pequeñas joyas excepcionales (S06E09 - Clap Your Hands If You Believe es altamente disfrutable, y con el estremecedor y emotivo S06E04 - Weekend at Bobby's se demuestra que aún les queda mucho por decir), es dificil no mirar con un poco de sospecha a esta sexta temporada.

¿Cómo puede ser que se inventen un Final Boss al final del episodio 12 (esa Madre de todo Mal, que debe ser malísima, pero a la que sólo dejan media temporada para desarrollarse) y que no vuelve a aparecer, (además de forma tangencial) hasta el capítulo 16?

Entiendo que prefirieran desarrollar en profundidad la lucha interna de los Winchester (Dean al abandonar a su familia, y Sam vs. la restitución de su alma), pero aún siendo conscientes de la maldición de la sexta temporada, parece que los creadores no sólo no pueden evitar caer en los errores de una temporada forzada por la audiencia, si no que se sienten atraídos hacia el desastre. Por eso es tan genial el capítulo 15, con su autoconsciencia de que se han pasado un poco de salto y han caído varios tiburones más allá.

Y aún así, les sale un capítulo como el S6E016 - And Then There Were None, de una épica simple pero efectiva (matar personajes siempre mola, aunque sean un poco demasiado secundarios). Un capítulo más que decente, que no habría destacado en otra temporada, pero cuyo final adquiere mucha más trascendencia al aparecer cuando aparece:

Dejemos atrás toda la mierda que hayamos hecho antes, y vamos a disfrutar de lo que tenemos. ¿De acuerdo?

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si de esta no implosiona el universo...

2011-02-05T10:44:00.003+01:00

visto en microsiervos

you can’t handle the truth

2010-11-11T10:17:00.005+01:00

No deberías leer el siguiente texto si no has visto hasta el capítulo S06E06 de esta serie.

Supernatural zozobra en esta sexta temporada. Y no necesariamente se está hundiendo, pero divaga entre el impulso por no repetirse y enriquecer dignamente un cierre demasiado largo, y no alejarse de sus líneas básicas. Esto hace que los capítulos sean similares a los de temporadas anteriores, pero que acaben por parecer extraños. Que el primer riff de guitarra aparezca al final del segundo capítulo hay que leerlo como un recurso (excelente a mi modo de ver) para llevar adelante la historia a modo de leitmotiv para “Dean el Cazador”. Así, de forma extraña, se van engarzando capítulos autoconclusivos de los que se ha demostrado que no llevan a ningún sitio, con capítulos épicos (como S06E04 - Weekend at Bobby's), que a pesar de que molan infinito, tampoco hacen crecer la serie.

Pero con Supernatural jamás se pueden dar las cosas por sentado, porque el capítulo cuyo argumento más estúpido parece (invocar a la diosa romana Veritas? vamos, anda!), desencadena la reacción más salvaje y más cruda de los hermanos Winchester. Y además, el final de episodio más terrible de toda la serie. Duro, muy duro.

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XVI Salón del Manga de Barcelona 2010: Línea Gaijin vs. Wataru Yoshizumi‏

2010-11-08T09:53:00.000+01:00

Casi resacoso del Salón del Manga me dispongo a poner en orden todas las cosas que han ocurrido en estos 4 largos, cansados y divertidos días. Han pasado muchas cosas, muchas de ellas ya las he detallado en los artículos escritos a corre cuita durante el Salón. Si tengo que elegir entre todo lo acontecido me quedo con lo más destacable para mí: la línea GAIJIN, que es de lo que va este artículo.

Con el artículo publicado por Jeparla en su blog sobre dicha línea y la "publicidad encubierta, que ha conseguido Glênat gracias a los bloggers españoles que cubren todo lo relacionado con el manga, no puedo estar más que de acuerdo. Quizás estas palabras no gusten a la editorial, pero creo que se ha echado de menos un poco más de promoción. Pero creo que el marketing realizado con pocos recursos ha tenido el efecto deseado. “Da igual que hablen bien o mal de ti, lo importante es que hablen”. Cuando algunas autoras de la línea Gaijin junto a Hernán Migoya estuvieron el año pasado en el Salón del Manga y dieron a conocer dicha "futura" línea, se generó una gran expectación. Eso, junto a las visitas a salones y eventos del mundo del manga y del cómic de los propios autores, ha provocado que el interés vaya creciendo más y más. Varios bloggers como pro-shoujo spain, RP2, MT y un largo etcétera, han conseguido realizar entrevistas y/o han publicado artículos sobre la línea Gaijin. Esto creo que ha sido crucial para que los compradores de manga hayan querido y deseado ver publicados cuanto antes los tomos de varios de estos autores. Glênat ha separado la edición de la línea en dos tandas, la primera acaba de salir, y la segunda "hornada" será para Abril de 2011.

Respecto al Salón del Manga me gustaría destacar la diferencia de trato hacia el aficionado, de una artista de la talla de Wataru Yoshizumi y los autores de la línea Gaijin.

La sesión de firmas de Wataru Yoshizumi se limitaban a una firma de la autora en algún tomo o publicación de la editorial Planeta (no podías llevar ningún otro tipo de publicación que no fuese de la editorial pues no te lo hubiera firmado), un agradecimiento por parte de la autora, 75 personas por sesión y no poder hacer ninguna foto a la autora, si no querías ser deportado a Siberia (es broma, pero no se permitía hacer ninguna foto). También, comentando con algunos colegas de prensa que han realizado entrevistas a la propia autora, se les ha cambiado las horas programadas con el perjuicio que ello conlleva, pues puede alterar los diferentes planes que tiene el medio para cubrir el evento o realizar otras entrevistas.

La sesión de firmas de la línea Gaijin se limitaban a la firma de los autores y un dibujo en el tomo que comprases, que podía ser a tu elección ("¿Qué personaje quieres?"). Los autores se tomaban su tiempo, así que esto daba juego a que pudieras hablar con ellos y ver el buen rollo que existe entre ellos. Al menos es lo que pude observar entre Kenny Ruiz (y tanto que me ha molado el tomo; Cira te quedó genial!!!) y Xian Nu Studio (gracias por los pedazo de dibujos que me hicisteis). Era el primer día y tuve que esperar cerca de una hora y media para poder conseguir el preciado tomo dedica-grafiado por los autores, pero valió mucho la pena.

Quizás las circunstancias alrededor de una autora de la talla de Wataru Yoshizumi sean normales (mi humilde opinión es que no, una cosa no quita la otra), pero para mí denota demasiado distanciamiento con el fan, y las circunstancias de los autores de la línea Gaijin, al ser menos "reconocidos", intentan agradar a sus fans de una manera más "motivadora" y encantadora.

Es posible, pero tenemos otros autores de la talla de Hideshi Hino, que continuan teniendo una "motivación" por contentar a sus fans, como se ha podido observar en este y anteriores ediciones del Salón del Manga.

Dos lados de la misma moneda.

Mata ne!!!

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XVI Salón del Manga de Barcelona 2010: Cuarto día y último!

2010-11-06T08:12:00.004+01:00

El último domingo tenía que ser prolífico por ser el último, y finalmente no me ha decepcionado, aunque salir de La Farga y dejar atrás varios días siempre es una mezcla de sentimientos agridulces.

Por la mañana podía acceder a la presentación de Oriol Estrada, alias "El Capitán" de la Arcadia de Urías, y su documental "Crónicas desde Cipango".
Los protagonistas del documental:

Ikusuki (Oskar Diaz)
Pepinismo (Alejandro Cremades)
Predicando en el desierto (Micko)
Un Gato Nipón (José Manuel S.)

Con el "reportero" Urías y los cuatro protagonistas como entrevistados, hemos podido tener de primera mano las impresiones de aquellos españoles que llevan bastante tiempo en el país y como ven ellos el "querido" país nipón por muchos de los aficionados al manga y al anime. Una visión interesante sobre los diversos aspectos que rodean el país, su cultura, la sociedad, los tópicos y un largo etcétera que se tocan en este documental amateur pero que apunta maneras y al verse realizado de una forma bastante aparente y profesional. Desde aquí me gustaría dar la enhorabuena a Oriol por el documental, pues todos los presentes hemos podido disfrutar de su visionado. Personalmente me ha encantado.

También he podido acceder a la charla "Peregrinaje del anime por Japón" a cargo de Takamasa Sakurai. Os dejos mis impresiones sobre la conferencia:

Japón es un país que sabe venderse para llamar la atención en la gente, y en cierta manera, promocionar el turismo extranjero entre muchas cosas. Una manera de exportar su cultura es a través del manga, del anime y de los videojuegos. Así que podemos tener una gran experiencia 'friki' (sí, podríamos llamarlo así), que sería hacer un peregrinaje al país nipón para poder observar los lugares que ambientan varias películas de animación. En este caso descubrimos lugares que aparecen en las películas de Evangelion y La Desaparición de Haruhi Suzumiya (adaptación de la cuarta novela de Suzumiya Harui).

Así vemos que la animación japonesa es muy detallista y ambienta escenas en lugares reales de Japón, que son bastante reconocibles si se visita la zona o se puede investigar, y así peregrinar a esos sitios que aparecen en el anime.

En otro orden de cosas, después de varias compras de "saldos" me fui a despedirme al stand de Kamikaze Factory Studio, donde han estado todo el evento, Rubén García y Belén Ortega, los autores de Himawari que será publicada en abril de 2011, previsiblemente. Allí, conseguí hacer unas fotos junto al cartel de su obra en el stand de Glênat y dar por finiquitado el XVI Salón del Manga.

Destaco el reencuentro con amigos que no veía desde hace bastante tiempo y bastantes más compras de lo que suele ser habitual en mí. Los datos son rotundos, unas 65.000 personas han pasado estos cuatro días por el Salón, superando las 60.000 previstas por FICOMIC. Ha sido un Salón del Manga bastante movidito y divertido que todavía dará para algún artículo adicional a este evento.

Mata ne!!!!

NOTA:
las imágenes que acompañan este artículo pertenecen a los escenarios reales y ficticios de La Desaparición de Haruhi Suzumiya. Fuente: daily onigiri

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XVI Salón del Manga de Barcelona 2010: Segundo y tercer día

2010-11-01T09:32:00.006+01:00

El sábado y domingo han sido unos días bastante moviditos en cuanto a autores, firmas, eventos y concursos. Primero de todo el viernes a última hora se dieron a conocer los premios que se otorgan por la organización y que no tienen dotación económica:

Mejor Shonen - Naruto de Masashi Kishimoto. Publicado por Ediciones Glénat.
Mejor Shojo - El Caballero Vampiro de Matsuri Hino. Publicado por Panini Comics.
Mejor Seinen - Gantz de Hiroya Oku. Publicado por Ediciones Glénat.
Mejor Kodomo - Shin Chan de Yoshito Usui. Publicado por Planeta DeAgostini.
Mejor manga de autor español - 5 Elementos de JESULINK
Mejor fanzine manga - Raruto
Mejor autor vivo de manga de cualquier género y época. Gran premio del Salón - Eiichiro Oda
Mejor DVD o Blu Ray de Anime - Saint Seya The Lost Canvas basado en el manga escrito e ilustrado por Shiori Teshirogui y editado por Selecta Visión
Mejor canal o programa de Anime - Boing

Además de entregar diplomas honoríficos a todos los autores invitados al evento.

La asistencia de público el sábado fue abrumadora. Como siempre, se amontonaban los centenares de fans en los aledaños de La Farga haciendo ambas colas (para comprar entradas y para acceder al recinto). Mucha gente iba disfrazada, aunque creo que no tantos como otros años, pero quizás es una percepción subjetiva por mi parte.

Centrando el tema en los autores, no han parado de firmar en todo el fin de semana, sobre todo Wataru Yoshimizu, que ha acaparado las sesiones de firmas en el stand de Planeta, aunque sólo fuera por el sistema empleado de entregar números para tener un orden y número establecido de fans para firmar (75 personas por sesión de firmas). También hay que decir, que es imposible conseguir una foto de dicha autora por la prohibición de hacerla durante las sesiones de firmas y/o entrevistas.

Los autores de la línea Gaijin han tenido también bastante trabajo para poder contentar a los numerosos fans junto a Nacho Fernandez (autor de Dragon Fall y la reciente Kung-Fu Mousse editada por Glênat).

La presentación de las novedades de todas las editoriales más importantes del sector también se ha concentrado en estos dos días, novedades de las que ya os hemos referenciado en el articulo previo.

En el apartado conciertos, destacan el de la artista japonesa Yuuki y también el de la cantante Fátima Ayats entre otros como los de Joaquín Paz y Bianca Moreno.

He aprovechado, personalmente, para hacer compras de tomos manga sobre todo, alguna figura del variado merchandising que hay en todos los stands del recinto, y para poder ver la calidad de la obra de Osamu Tezuka, Adolf, reeditada por Planeta, de nuevo con gran acierto.

Los stands de Selecta Vision han rebajado precios en los dvd y blu-ray de las series y películas de animación de su catálogo, pudiendo conseguir descuentos bastante interesantes.

yokais de Shigeru Mizuki

No me gustaría terminar este artículo sin destacar el gran trabajo que han realizado este año con las exposiciones sobre el manga de terror encabezado por Shigeru Mizuki y Hideshi Hino y la exposición de Kayono que junto a los ejemplares de la línea Gaijin conforman una gran vista del actual panorama del manga editado en nuestro país.

El último y cuarto día os prometo traer más información de primera mano.

Mata ne!!!!

Más información: [los Mangas de Max: XVI Salon del Manga]

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XVI Salón del Manga de Barcelona 2010: Primer día

2010-10-30T10:34:00.006+02:00

Esta mañana comenzaba el Salón del Manga y el grupo Els amics de les Arts nos ofrecían un directo cantando su canción "Per mars i muntanyes" en japonés. Todo gracias a la complicidad de Oriol Estrada, el Capitán del blog "La Arcadia de Urías", y la ayuda de Marc Bernabé, Alejandro Rocamora y Takashi Kimura, que han ayudado a hacer esta adaptación al idioma nipón.

els amics de les arts

Para los que hemos crecido con Son Gokuh y las "bolas de drac" es una canción que te hace rememorar las grandes aventuras que vivíamos junto a estos personajes creados por el genial Akira Toriyama. Más información sobre este evento aquí.

Hemos conseguido saludar a Oriol Estrada, aprovecho para saludarle y enviarle mi apoyo por su presentación del documental el domingo en el XVI Salón del Manga: "Crónicas desde Cipango", sobre 4 bloggers españoles que viven en Japón. Si queréis más info visitad el blog de reciente creación que ha montado, aquí.

Hemos visitado a Rubén García y Belén Ortega en el stand de Kamikaze Factory Studio, donde están vendiendo varias láminas de Himawari, ilustraciones varias de los artistas del estudio y el libro recién impreso: Shojo Manga Paso a Paso. Más información en la web del estudio, aquí.

La verdad es que he aprovechado para mirar las tiendas y hacer algunas compras, pues mañana sábado y el domingo, habrá demasiada gente como para mirar tiendas de manera más tranquila y relajada.

Xian Nu

He aguantado estoicamente y he hecho cola durante bastante tiempo para que me firmasen un ejemplar de Bakemono (Xian Nu Studio) y Dos Espadas (Kenny Ruiz) de la línea Gaijin de Glênat. Ha valido la pena, pues cada ejemplar era firmado con un dibujo de los personajes del manga. Esperemos que los próximos días haya mucha cola para firmar ejemplares como lo ha habido hoy, es buena señal de que la línea Gaijin va a funcionar medianamente bien.

Kenny Ruiz

Por ahora nada más. Mata ne!!!

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y una más sobre fringe, ahora con buenos malos recursos, cálculo de causalidades, y diversas tremperas mayúsculas.

2010-10-27T21:45:00.005+02:00

No deberías leer el siguiente texto si no has visto hasta el capítulo S03E03 de esta serie.

Cuando fue evidente que la tercera temporada de Fringe iba a girar alrededor de las dos deslocalizadas Olivias (cosa de la que me di cuenta, más o menos, en la última escena del último capítulo de la segunda temporada) levanté un poco mi ceja izquierda, así como de gesto de incrédula ironía. Cada vez hay más recursos de mal guionista que, por sobados o directamente estúpidos, deberían (como ya he dicho en alguna ocasión anterior) condenar inmediatamente al escritor que se esconda tras ellos a “ser flagelado con tiras de su propia piel”.

Y el tema del doppleganger fuera de lugar, que no es identificado por ninguno de los demás personajes, es un recurso tan manido como irritante. Así que tras el capítulo dos de la tercera temporada, The Box, acabé bastante molesto. En este episodio, nadie parece darse cuenta de que la malísima Olivia Alternativa, con todos sus extraños cambios comportamentales, es una infiltrada de el otro lado. "¿Y cómo es que Peter tampoco se da cuenta que esa no es su Olivia?", podrían preguntarse los espectadores. "Pues porque no le importa, porque esta Olivia sí que folla", parece que podrían contestar los guionistas. La cuestión es que una alerta se me disparó en algún sitio: "esto huele a guionistas perezosos!!!"

Y entonces llega el tercer capítulo, The Plateau, iluminado diferente, con un atrezzo ligeramente diferente, casi irreal, y además con la magistral idea de que los capítulos que sucedan en el Otro Lado tengan unos títulos de crédito de color rojo, en vez del habitual azul (o de aquel maravilloso 3D ochentero del capítulo en el que vemos el pasado de Walter). Y así, casi sin darle más importancia, arranca uno de los mejores capítulos de toda la serie. Divertido, es poco. Sabiendo cómo le gusta a la mente humana encontrar causas y efectos, ¿qué se puede esperar de una guión en que un personaje es capaz de calcular matemáticamente causalidades y usarlas para provocar muertes? Es de trempera y copazo.

Pero si además de ser un gran guión, resulta que le da un impulso creativo monstruoso a la serie, ya que la convierte en dos series totalmente distintas y complementarias, parece que no se le pueda pedir más: Por un lado, tenemos la serie de Este Lado, más convencional, ya que ocurre en nuestro mundo, con algunos de los recursos repetitivos de cualquier serie de ciencia ficción, pero con los pequeños toques de brillo que han hecho sobresalir a Fringe sobre otras de discurso similar. Y por otro lado, tenemos la serie del Otro Lado, que se desarrolla en un mundo diferente del nuestro, con un terreno tan virgen y abierto para la fantasía que corta el aliento, y que parece que se va filtrando poco a poco hacia la otra dimensión, “la nuestra”. Se me pone la piel de gallina ante semejante abismo de posibilidades.

Porque sé que es mentira... Que si no, diría que estoy sin habla.

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XVI Salón del Manga de Barcelona 2010: Presentación.

2010-10-25T19:11:00.005+02:00

Estamos a punto de asistir a una nueva edición del Salón del Manga de Barcelona. 16 años lleva en marcha este evento y, aunque los datos del sector no son muy halagüeños a nivel económico, estoy seguro que la afluencia será tan buena como la de otros años. Quizás se deje notar la crisis un poco más para todos aquellos aficionados que vienen de los alrededores de Barcelona, pero dada la calidad de los invitados, la cantidad de novedades, exposiciones y las habituales actividades del certamen, es una cita que no pueden perderse.

Además de los habituales concursos de COSPLAY, la elección del representante español para el WORLD COSPLAY SUMMIT, y un largo etcétera que ya viene siendo habitual, me gustaría destacar algunos detalles de esta edición, sobre todo en lo referente a autores y/o invitados.

- LÍNEA GAIJIN

Tendremos la oportunidad de ver cómo funciona la denominada línea Gaijin de Glénat, de la que ya os he hablado en este blog, y lo más importante: poder oir, ver y escuchar las impresiones de los autores de dicha línea. Tendrán más protagonismo l@s 3 autor@s que publican sus tomos para esta edición del Salón (Studio Kôsen, Kenny Ruiz y Xian Nu Studio) que marcarán el punto de salida de dicha línea. Tendremos que esperar al resto de autor@s de la línea que se publicarán con casi toda seguridad a finales de este año o principios del 2011. Los que vengan al Salón tendrán la posibilidad de conseguir un autógrafo con su tomo. Además podremos disfrutar de una exposición con láminas y dibujos de estos 3 artistas en la sala habilitada para ello en La Farga.

- HIDESHI HINO

Quizás es el autor que menos sorprende de este evento, pero no por ello menos esperado, pues ya ha estado anteriormente en Barcelona de manos de Ediciones La Cúpula, editorial en la que van publicando sus obras. Un hombre marcado por la voluntad de ser director de cine, hecho que tuvo que compaginar con sus manga por presión de sus compañeros. Y ahí lo tenemos, un referente en el manga del género de terror.

- KENJI KAMIYAMA
Es el director y guionista, de G.I.S. Stand Alone Complex (Basados en los personajes del manga de Masamune Shirow, de los cuáles se han producido también dos películas) y de su continuación (G.I.S. S.A.C. 2nd Gig). Es una baza fuerte e interesante en el sector del anime.

El currículum de este hombre es impresionante pues desde bien joven ha trabajado en películas como Akira, Nicky, aprendiz de bruja y ha formado parte del Team Oshii en Production I.G. (contando con obras como la conocida Jin Roh o BLOOD: El último vampiro entre las muchas de sus producciones).

- IZUMI MATSUMOTO
Es el autor del manga Kimagure Orange Road, entre otros. Muchos de los fans más "talladitos" habrán conocido la versión animada que Telecinco emitió hace bastantes años como Johnny y sus amigos. Ediciones Glenat ha publicado en castellano y catalán este manga, pero no existe ninguna otra obra de este autor publicada en nuestro país. Aunque de todas formas, quizás ésta sea la obra más conocida y reconocible de su autor.

- YUUKI

Muchos fans podrán animarse con la actuación de esta solista y compositora pop-rock japonés. Seguro que su actuación no defraudará a los fans más acérrimos de la cantante.

- KAYONO

Gracias a Norma, que publica las obras de esta mangaka de shojo, Kayono será una de las invitadas de esta edición. Sus obras han tenido gran aceptación por parte del público, supongo que en parte se deberá a que lo lleva en los genes (pues Chikae Ide es su madre), y en parte por introducir en su obra un leve contenido erótico. La sombra del plagio a una colega de profesión (de la que salió como inocente en un juicio) planea sobre esta autora. Fans y detractores se verán las caras en este evento ¿Habrá alguna polémica durante el Salón?

- TAKASHI SIMIZU

Invitado por la Fundación Japón, tendremos a este director referente del cine de terror japonés. Debutó en los EEUU en 2004 con La Maldición, producida por Sam Raimi. Significaba el reconocimiento por su trabajo en JU-ON del 2000, película de culto en todo el mundo.

- WATARU YOSHIZUMI

Uno de los primeros invitados en comentarse que vendría, y de los últimos en confirmarse, ha sido la mangaka Wataru Yoshizumi, toda una leyenda dentro del género shojo. Fue gracias al éxito de la versión animada de una de sus series (La Familia Crece, emitida en La 2 allá por 1998), Planeta se fijó en ella y comenzó a licenciar Marmalade Boy. Las chicas comenzaron a comprar esta obra y el éxito fue arrollador: Se comenzaron a licenciar más series shojo y muchas más obras de esta autora como Somos chicos Menta, Solamente Tú y un largo etcétera hasta la fecha. Seguro que much@s aficionad@s estarán deseando de tener un tomo autografíado por esta autora de 47 años.

Es una pena que haya tardado tanto en poder venir al Salón del Manga, aún así, es todo un bombazo su visita.

En cuestión de novedades, hay muchas y son bastante variadas, con la visita de dos mangakas "shojeras" la evidencia del shojo es la más patente. Podremos ver por fin el primer tomo de Bakuman de Norma Editorial, la edición lujo de Adolf de Planeta, y la edición, por fin, de Kitaro (de Shigeru Mizuki, Non non ba, Operación Muerte). Hay muchas más novedades, pero no es la intención del artículo de dejarlas todas aquí patentes. Si queréis podéis ir a ver el artículo que han hecho en “Una pareja de Otaku”, aquí y aquí también, pues han detallado casi la totalidad de de novedades que salen para esta edición del Salón del Manga y me parece perfecto.

Espero que os animéis a venir al Salón, creo que este año hay varios motivos para hacerlo. Aunque sea para aprovechar las oportunidades de "mangas rebajados" que suelen tener algunas tiendas, buscar aquel tomo que no encontramos en nuestra librería especializada, o ver merchandising que no habíamos visto y nos gustaría tener en nuestras estanterías... También por ver el concurso de kame-hame-ha de este año, o para que Belén Ortega nos firme algún poster y se haga una foto con nosotros..., u otras muchas más cosas que nos ofrece este certamen como pueden ser películas y capítulos de animación, etc.

Por mi parte espero hacer muchas fotos de cosplay, pasármelo genial, y disfrutar como nunca en estos 4 días de evento. Estad atentos a la página de ficomic para las actualizaciones sobre los horarios de todas las actuaciones, firmas de invitados, mesas redondas y un largo etcétera.

Son 16 años visitando este salón, y uno tiene aún la emoción del primer día por asistir a tan magnífico evento!!!!

Mata ne.

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Sitges 10: índice

2010-10-20T16:00:00.003+02:00

_____Noticias
Sitges 2010: primeras noticias (I)
Sitges 2010: primeras noticias (II)
Sitges 2010: presentación oficial
Sitges 2010: presentación Sección Oficial Fantàstic
Sitges 2010: programación asiática
Sitges 2009: presentación Sección Noves Visions

Sitges 10: Dream Home

2010-10-20T15:59:00.026+02:00

Por Hombre Lobo

Ahora que ha pasado la fiebre del mainstream occidental por el cine de terror asiático, es el momento perfecto para la llegada de una película como Dream Home (2010), una producción hongkonesa que no sólo es una gran muestra de humor negro y virtuosismo gore, sino también la primera cinta de terror (al menos que yo recuerde) sobre la burbuja inmobiliaria, argumento que le viene como anillo al dedo ahora que el auge de China en la economía mundial es un tema ampliamente reconocible. En la película, el personaje principal es una joven empleada de telemarketing con un solo sueño en la vida: hipotecarse hasta el cuello para tener un piso con vista a la bahía de Hong Kong, una idea que asocia irremediablemente a la felicidad. Cuando su deseo empieza a ponerse cada vez más cuesta arriba, la chica decide hacer lo que sea para alcanzar su objetivo, así tenga que hacer una carnicería con sus futuros vecinos.

La película no sigue una estructura lineal sino que va saltando entre diferentes flashbacks y episodios situados en el presente en el que presenciamos la masacre desatada por la protagonista. Estas secuencias son sin duda las que permanecerán en el recuerdo del espectador ya que son de una brutalidad bastante notable, aunque la característica más curiosa de estas escenas es la torpeza con la que se desarrolla una violencia para nada estilizada y dotada de un negrísimo humor que se aprovecha de la evidente falta de experiencia de la protagonista en las artes del asesinato. Pero sería un error quedarnos únicamente con esto y no apreciar por otro lado el ambiente opresivo que crea el director Ho-Cheung Pang a través de la muestra nada disimulada de una ciudad tan carente de espacio como Hong Kong, llena de rascacielos que se montan unos sobre otros y con una realidad cotidiana tan asfixiante que hace que el público inmediatamente asuma a la protagonista como una víctima que ejecuta una merecida venganza contra las circunstancias que la oprimen. Hay mucho de catársis en el arrebato violento de esta mujer que ejecuta su carnicería con vulgares herramientas que recuerdan mucho a la visceralidad setentera de The Toolbox Murders (1978).

Algunos han comentado una supuesta falta de equilibrio entre el contenido sociológico de Dream Home y su entrega a la casquería fina, aunque personalmente no me ha parecido así; por el contrario, creo que ambos lados de la historia están perfectamente balanceados no sólo a través de la estructura fragmentada del relato sino también gracias a la soberbia actuación de la protagonista, Josie Ho, quien consigue de forma sobresaliente la transición por la cual pasa su personaje de sufrida asalariada a psycho-killer sin por ello caer en excesivos dramatismos ni rehuir al humor. La actriz, por cierto, también produjo la película y según cuentan tuvo gran parte del control sobre el resultado final. Es cierto que el cine de terror con crítica social y el más dado a los excesos sanguinolentos no siempre encuentran el mismo público, pero este es un ejemplo que ciertamente marca una excepción y vale la pena. Acercaos a ella sin duda alguna.

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Sitges 10: A Serbian Film

2010-10-20T15:59:00.025+02:00

Por Hombre Lobo

En un alarde de caradurismo considerable hemos decidido aprovechar la reciente polémica en torno a A Serbian Film (2010) para hacer de ella nuestra reseña número cuatrocientos en lo que llevamos de existencia. Llego como tantas otras veces tarde dado que muy probablemente la incendiaria reacción de los guardianes de la moral y la corrección política habrá producido el muy predecible efecto de hacer que ya todo el mundo la haya visto por un medio o por otro, pero eso es algo a lo que por otra parte estamos acostumbrados en esta página. En todo caso, y aparte ya del hecho meramente cinematográfico, cabe preguntarse si realmente el objetivo o el principal punto de valoración de esta película del director Srdjan Spasojevic debe estar en su capacidad (o no) de escandalizar al personal o por el contrario de haber realizado un auténtico despliegue de brutalidad para transmitir una idea de la que no se habla lo suficiente.

Para los cuatro o cinco que no lo sepan aún, A Serbian Film cuenta la historia de un porno-star retirado llamado Milos que de la noche a la mañana recibe una jugosa oferta para participar en el rodaje de una porno "artistica" rodada en el más hermético secretismo y de la cual no sabrá absolutamente nada hasta el día de su participación. La desorbitada cantidad de dinero que se le ofrece y la pinta de los responsables resulta indudablemente sospechosa, pero para Milos la tentación de proveer un bienestar definitivo a su joven esposa y a su pequeño hijo es demasiado grande, por lo que termina aceptando. Además, la película deja muy claro algo que el protagonista termina por confesarse a sí mismo: aunque su boca diga lo contrario, echa de menos el arte en el que él era el indiscutible amo. Por supuesto, no tardamos en descubrir pronto la verdad (principalmente porque ya lo sabíamos incluso desde el trailer); la película que Milos es obligado a rodar es en realidad un snuff-film donde se cometen todo tipo de atrocidades y perversiones, y una vez dentro será imposible salir.

Es todo este catálogo de bestialidades lo que ha sido más publicitado de A Serbian Film, y la verdad es que en ella ocurren cosas que no estamos muy acostumbrados a ver en un cine, algunas genuinamente desagradables. Sin embargo creo que debo decir (aunque con ello seguramente me estaré ganando una hornada de comentarios no tan positivos) que la dureza de estas secuencias tampoco me ha parecido para tanto, y todos los que han leído este blog durante años saben que no soy un gran conocedor ni mucho menos un aficionado del terror físico. Pero incluso yo he visto en la última década, sin ir más lejos, ejemplos provenientes de Francia en los que la violencia era usada de forma mucho más perturbadora, incluso dentro de lo que podría considerarse el mainstream. De hecho puedo afirmar abiertamente que en cuestión de chunguez la película tiene una secuencia mucho más siniestra en las primeras sesiones de rodaje de la película de Milos, en las que la sangre todavía no ha empezado a saltar y en las que el director consigue una atmósfera de horror y tensión muy lograda. En cuanto al resto, los mayores horrores no provienen de aquello que se muestra (superado muchas veces en cuanto a generosidad del rojo líquido) sino en cuanto a que los hechos mostrados representan en sí mismos grandes tabúes cinematográficos: violaciones, incesto, pedofilia, necrofilia y demás lindezas. Todo esto, sin embargo, está mostrado la mayoría de las veces desde una óptica tan exagerada y desproporcionada que no se le puede negar cierto manejo del absurdo e incluso del humor, resaltado además por el caricaturesco personaje del director de la película. Nada de esto ha parecido importar al final para el sector más conservador de la crítica, incapaz por lo visto de ver más allá de las múltiples vejaciones que Milos y el resto de los personajes sufren.

Todo esto en cierta forma estorba porque ha terminado por eclipsar ante muchos el marcado contenido político de la cinta, ya que Spasojevic pinta un nada disimulado retrato de la psique de la Serbia de la post-guerra y los traumas del conflicto de los Balcanes (no en balde el tremendamente adecuado título). Esto es algo que en un principio no creía, pero he tenido finalmente que ver la película para rendirme ante la evidencia de que su principal responsable no está simplemente ridiéndose a la explotación; en A Serbian Film se utiliza la violencia para construir un discurso alrededor de ésta y sobretodo para dar una imagen pesimista y en ocasiones cínica sobre una sociedad que mantiene un tupido velo sobre algunos de sus elementos más escabrosos, una fachada que lo ocupa todo, desde los círculos de poder hasta el núcleo familiar. De hecho uno de los aspectos más interesantes del personaje de Milos (y en cierta forma reflejado en el concepto del poster publicitario) es que la película de marras no hace sino sacar horrores que ya estaban dentro de él y que se ha visto forzado a descubrir en contra de su voluntad. Tal coherencia de discurso (rematado además con una imagen final de esas que caen como una bofetada) deja muy mal a aquellos que sólo han sabido ver en la cinta una supuesta apología de la violencia.

Llegados a este punto sería hipócrita de mi parte no mencionar al menos de pasada la absurda polémica que ha surgido en torno a la película en su accidentado paso por varios festivales españoles, que se ha saldado con una estéril discusión estimulada por un pseudo-periodismo de baratillo y una moral pacata que ha llevado a la cinta incluso a ser retirada de ciertos pases por oden judicial. El hecho de que en el 2010 todavía haya gente incapaz de distinguir la realidad de la ficción e incluso sugerir que ambas conllevan la misma carga moral es cuanto menos preocupante.

Esto lo dice alguien que, entre otras cosas, tampoco se ha sentido excesivamente entusiasmado por la película; si debo ser sincero, la verdad es que me ha gustado sin demasiados aspavientos. Ciertamente es una cinta que maneja muy buenas ideas, contiene una gran energía, una estructura dramática interesante (ese gran flashback fragmentado que dura media película) y una potente y perturbadora atmósfera inicial. Pero con todo eso, a medida que nos vamos acercando al clímax final pienso que se vuelve un poco tonta y demasiado descabellada como para poder ser tomada en serio. Pero no me teneis que hacer caso a mí: lo mejor que podéis hacer cada uno es ver personalmente A Serbian Film y juzgar por vosotros mismos si es realmente una de las películas más brutales que se han hecho últimamente o si por el contrario, es una cinta en la que dicha brutalidad está (muy bien) puesta al servicio de un contenido político que ha pasado casi desapercibido por culpa del par de meapilas de rigor y las falsas alarmas creadas por el escándalo fácil y que corre el riesgo de eclipsar sus auténticos y más duraderos logros. Desde aquí creo que nos decantamos por la segunda opción.

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Sitges 10: Rare Exports: A Christmas Tale

2010-10-20T15:59:00.024+02:00

Por Hombre Lobo

Su fama está más que justificada; estamos ante una cinta interesante por varios motivos, siendo (para mí al menos) el primero de ellos el que sea una fábula anti-navideña que sin embargo sabe valerse no sólo del legado cultural de la mitología finlandesa sino también de toda una tradición de cine infantil dedicado al tema de Papá Noel y los niños que ansiosamente lo esperan cada año.

Esto último lo decimos porque hay que dejar claro en primer lugar que Rare Exports es ante todo una película bastante ligera en cuanto al tratamiento que hace del terror y muy poco dada a la violencia, afincándose más en un sentido del humor bastante retorcido que quizás sea más apreciable para aquellos que en cierta forma conecten con sus principales referencias culturales, desde los aguerridos protagonistas equivalentes a vikingos modernos pertenecientes a un mundo enteramente masculino (no aparece ni una mujer en la película) hasta el pequeño niño retraído que es quien conoce la leyenda del "verdadero" Papá Noel (que nada tiene que ver con aquel amable anciano que reparte sonrisas y regalos en Nochebuena) y que acaba convirtiéndose en un héroe. Sin embargo, la película sale airosa en lo que es su mayor desafío: ser una eficiente comedia de terror con niños de por medio, hasta el punto que no exageramos cuando decimos que Joe Dante se sentiría muy orgulloso de esta película. Tal como se ha mencionado ya, es probablemente Gremlins (1984) la influencia más evidente de esta cinta no sólo en su sátira de la Navidad sino también en su tratamiento del terror, que sin embargo no está exhento de un componente macabro considerable en la tétrica figura de ese prisionero de barba blanca que una excavación arqueológica ha liberado de forma bastante irresponsable (en este sentido el argumento me ha recordado mucho al relato Rawhead Rex, de Clive Barker).

La mezcla de géneros sea quizás lo que pueda echar a algunos para atrás a la hora de valorar correctamente una película como ésta, ya que no es un trabajo netamente de terror; es ante todo una oscura fantasía navideña que echa mano de elementos mitológicos puramente nórdicos (de nuevo, esos vikingos modernos enfrentados a terribles demonios) y los aborda desde una perspectiva cómica que puede ser disfrutada especialmente por aquellos nostálgicos de grandes terrores juveniles como The Monster Squad (1987) y The Gate (1987), y aunque carezca del componente pop que caracteriza estos últimos, sí que comparte con ellos el saber convertir a los niños en protagonistas de historias de miedo, cosa nada fácil. Aparte de eso la premisa de la película está bastante bien llevada aunque no sea cien por cien original, y la desmitificación que hace de la Navidad aludiendo a sus orígenes paganos es muy acertada, aparte de que la figura del anciano es genuinamente inquietante y se convierte rápidamente en una de las mejores cosas de la película.

Así que desde ya podéis consideraros avisados: Rare Exports es una película aparentemente ligera y bastante sencilla (80 minutos incluyendo títulos de crédito), pero también es una gran cinta que hace falta revisar aunque su ideal contexto navideño haya sido superado. No os acerquéis a ella esperando una cruel y terrible historia de terror, sino más bien una película simpática en la que los monstruos son reales y los niños son héroes. Puede que su mezcla de géneros no sea la ideal para muchas personas, pero sinceramente no se me ocurren muchos ejemplos de esta nueva ola de cine de terror nórdico que sean tan entretenidos y genuinamente entrañables como este que nos ocupa hoy. Recomendable fuera de toda duda.

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Sitges 10: Let me in

2010-10-20T15:59:00.023+02:00

Por Hombre Lobo

Seguramente ya habréis visto la opinión resumida que dejamos en forma de post de transición hace ya un tiempo (por cierto, curioso el interés desatado por lo que no era más que una línea resumiendo una impresión inicial), así que no viene mal desarrollar un poco la idea y explicar lo que realmente nos ha parecido la nueva versión de Déjame entrar (2010), remake de la muy mentada película de Thomas Alfredson. La existencia de estas nuevas versiones recalentadas es algo que ya comentamos una vez y que responde a una realidad económica acerca de cómo se maneja el cine de masas en Estados Unidos, algo que tiene que ver con un concepto que en publicidad se conoce como "conciencia de marca"; si bien la Déjame entrar (2008) original puede ser considerada en muchos sentidos una película de culto, la verdad es que una película extranjera tiene escasas posibilidades (por no decir ninguna) de ser un éxito en la taquilla estadounidense.

Llegados a este punto se hace necesario hablar de la película en sí, cuyo argumento es casi calcado al de la versión sueca, quizás demasiado. Aquellas palabras del director Matt Reeves en las que aseguraba que su versión no era tanto un remake sino una nueva adaptación de la novela original de John Ajvide Lindqvist finalmente han quedado en nada; Déjame entrar redux sigue prácticamente al pie de la letra el argumento de la primera adaptación e incluso la referencia en varias ocasiones con secuencias y planos específicos que son exactamente los mismos, lo que desmonta uno de los principales argumentos de los defensores de esta versión americana: que (supuestamente) no estamos ante una fotocopia del original escandinavo. Por el contrario, Matt Reeves, artífice de la por nosotros muy alabada Cloverfield (2008), parece haberse limitado a "traducir" culturalmente la película original y dudo mucho que haya tenido algún interés en aportar algo propio a aquello que ya se había contado. De hecho, los escasos cambios que se han realizado al argumento son insustanciales (como la presencia de un detective encarnado por Elias Koteas) o directamente empobrecen el resultado si se le compara con la versión original. Es esto lo que sucede, por ejemplo, con la decisión por parte de los responsables del remake de eliminar casi por completo la subtrama de vampirismo de la pareja atacada por la niña protagonista, lo cual borra también uno de los pocos elementos de auténtica película de horror que la cinta de Alfredson tenía. Algo similar ha ocurrido con la decisión de eliminar la ambigüedad del vampiro y la "verdadera naturaleza" de la niña; es cierto que la ausencia de dicha revelación no altera propiamente el argumento, pero sí es una muestra más de cómo la historia original ha tenido que ser suavizada para alcanzar los estándares de una producción comercial, lo cual es algo sin duda triste.

Tampoco estamos, como se ha comentado en anteriores ocasiones, ante una versión más "de terror" de la novela original sino todo lo contrario: la nueva Déjame entrar sigue siendo más que nunca un drama y una historia de "primer amor" entre jóvenes (al menos de espíritu) en los que el tema del vampirismo se trata en muchas ocasiones de refilón. Poco importa que en esta ocasión se haya buscado hacer del vampiro un ser más "feroz" (en realidad la única diferencia es que salta más rápido, vamos) si ese intento se tira por la borda debido al carácter explícito de la forma como se presenta, con un maquillaje vampírico convencional y aburrido que elimina la interesante manera que tenía la película de Alfredson de dosificar la apariencia del vampiro y su metamorfosis en monstruo, contemplada en vistazos fugaces que se quedaban en nuestra memoria. Nada de eso, por desgracia, se ha trasladado a la película de Reeves.

Ahora, después de haber soltado toda esta parrafada, es probable que muchos puedan pensar que no me ha gustado la película pero no es así. Después de todo, sigue siendo la copia al carbón de una cinta muy buena, tiene uno que otro momento interesante a nivel de estética (como ese accidente de coche visto desde adentro) y algunas actuaciones sobresalientes. El problema es que, por un lado, no puedo simplemente fingir que la original no existe y que se estrenó hace apenas un par de años. Por otro lado, me cuesta mucho pasar por alto lo tremendamente vacía y supérflua que resulta, eso y que el saber exactamente qué va a ocurrir cada segundo hace que al final termine siendo aburrida y casi tan larga como la original (y pensar que detrás de esto está la Hammer Films, que una vez fuera sinónimo de entretenimiento). Por eso me sorprende comprobar qué bajos tienen que estar los estándares si al final esta va a resultar ser una de las cintas más "destacables" del año. Aquí por desgracia me toca ser la nota discordante ya que, por más que lo intento, no puedo encontrar nada positivo de este remake que no haya estado ya presente en la cinta original, ante la cual esta versión sigue siendo completamente innecesaria.

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Sitges 10: Monsters

2010-10-20T15:59:00.022+02:00

Por Hombre Lobo

Por su condición de producción independiente y sus ambiciones de cine de ciencia-ficción "con mensaje", Monsters ha sido vendida como la nueva District 9 (2009), algo que no deja de ser curioso porque la película de Neil Blomkamp no era al final lo que se nos había intentado hacer creer que era. Eso no pasa con esta, sin embargo; Monsters es, como su nombre lo indicia, una película de monstruos en la que los monstruos casi nunca aparecen, y no dudo que sus responsables habrán creído que eso es algo bueno en sí mismo. De hecho los alienígenas que en ella aparecen son accesorios, y podrían perfectamente haber sido una amenaza más terrena y el resultado habría sido el mismo. Personalmente, me ha parecido una tomadura de pelo aburrida, pretenciosa, interminable, y con un mensaje político tan obvio y evidente que resulta ofensivo. Claro, es cierto que District 9 también tenía una carga política bastante obvia, pero al menos no te lo machacaba a cada momento.

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(con retraso) Desde Sitges10... (X)

2010-10-20T15:55:00.004+02:00

Sábado 16

I Saw the Devil (Oficial Fantàstic Panorama Especiales)

Después de la muy femenina venganza coreana de Bedevilled, no podía faltar en este “Festival de la Venganzas” (y las bolsas en la cabeza) otra ondanada violenta procedente del país donde los martillos deberían venderse con permiso de armas. I saw the Devil es un intento de ir más lejos en la temática del ajuste de cuentas. En esta ocasión, no hay un único vector violento que intenta resarcirse de forma brutal. En este caso es una escalada de represalias mutuas entre un asesino en serie sin escrúpulos y un policía secreto que convierte el asesinato de su mujer en la mejor excusa para mirar sin temor al abismo, y convertirse en el monstruo que le devuelve la mirada. Sin piedad, y en un juego recíproco del gato y el ratón, ambos protagonistas no dudan en perder toda su humanidad para conseguir una victoria imposible sobre su contrincante. Cruel, angustiosa y muy emocionante, es una de las películas más disfrutables de la presente edición. El thriller coreano no suele fallar!

The Perfect Host (Oficial Fantàstic en competición)

The Perfect Host cuenta, de una forma muy sencilla, una historia demasiado barroca. Y a pesar de que los personajes son excelentes (y divertidísima como siempre la actuación de David Hyde Pierce) algo no acaba de encajar. Puede que sea que es de esas películas cuyos giros despistan por su juego al doble engaño, quizá sea por lo delirante de su trama, o quizá sea porque llevo muchos días y demasiadas películas y esperaba reírme a carcajadas, que ha acabado por decepcionarme un poco. Para mí ha sido una mezcla demasiado rara (ladrones, doble juego, delirios, esquizofrenia, y más engaños) y al final me ha sabido a poco porque me ha dado lo que esperaba, pero a su vez se ha quedado sólo a medias en sus intentos por sorprenderme. Estoy espeso, lo sé…

Into Eternity (Noves visions - No Ficción)

Este es un documental de esos que sorprenden tanto por su elaborada estética (cámara lenta, casi ceremonial, casi en todas las escenas), como por su excelente trabajo de documentación y de narración de líneas discursivas. Parte de algo muy pequeño aunque enorme en su repercusión: qué se puede hacer con unos residuos nucleares que se mantendrán activos durante más de 100.000 años. Así, Michael Madsen (el director, no el grandullón de ojos aviesos que baila al son de “Stuck in the Middle with You” con una navaja en la mano) aprovecha la actual construcción de un silo nuclear en la tundra finlandesa, para enviar una carta abierta a los posibles seres del futuro que tengan la desgracia de encontrar semejante tumba nuclear. Con opiniones de todo tipo de expertos, y cortando la narración para resumir los hechos a través de un cuento infantil de terror, Madsen pone sobre la mesa cuestiones tan importantes como que no podemos saber qué nos deparará el futuro; que la ciencia, por mucho que lo intente, tampoco puede predecir lo que vendrá, y que por mucho que lo quieran rodear de necesidad, la energía nuclear está lejos de salir victoriosa en el balance entre costes y beneficios.

Red Hill (Oficial Fantàstic Panorama en competición)

Con la presencia de su director Patrick Hughes

Mi última película del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges 2010. Y lo reconozco, la vi en un estado de agotamiento abrumador. No estuve ni cerca de caer dormido, no se crean, pero mi cerebro se cerró en banda y no ha encontrado nada excepcional en este western clásico trasladado a los desiertos australianos. Su argumento es bastante tópico (y cómo no, trata sobre una venganza) y a pesar de su curioso sentido del humor (el protagonista no para de deambular de un lado para otro, porque tiene la extraña capacidad de no estar en el sitio adecuado), acabé por no sentir empatía por ninguno de los personajes, así como me cabreé bastante por un ridículo recurso emotivo final usado muy a destiempo. Además, qué coño!, acabé muy decepcionado porque, por alguna extraña razón, esperaba una peli con monstruos, y lo más que había era un intento triste de crear un aura sobrenatural engañando al espectador con un extraño mordisco de pantera negra (sí, en Australia). La sala aplaudió a rabiar al finalizar la proyección, así que imagino que debo estar equivocado… o igual no, porque en este pueblo, en octubre, las cosas de viven de forma diferente, y las emociones son más fuertes que en la vida real…

Y ya está...

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(con retraso) Desde Sitges10... (IX)

2010-10-18T21:11:00.005+02:00

Viernes 15

Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (Oficial Fantàstic en competición)

Hablar de esta película es algo complicado. Desde luego, es de las pocas que podría encajar en lo que todos esperan de la sección oficial (en el fondo es una historia de fantasmas y monstruos del folcklore tailandés), pero a parte de la premisa, es una historia más apropiada para un museo del cine que para un festival de cine fantástico. Tío Boonmee se muere, y mientras tanto, el espectador es testigo de pequeñas cápsulas de otros personajes (en teoría antiguas o futuras vidas del protagonista). Todo ello sin nexos, sin lazos que ayuden a seguir una coherencia de la historia. Pero no importa, lo importante es ese camino final que recorre Boonmee: intenta cerrar con dignidad su vida y sus otras encarnaciones muestran otras formas de llevarlo. Desde luego es una película reflexiva, más de contenidos que de discursos, y quizá por eso es cualquier cosa menos entretenida. Puede ser una obra de arte, y puede ser CINE en mayúsculas, pero desde luego es un peñazo importante. Y si no me creen, que alguien se apiade y me explique el significado de ese delirante final...

Bedevilled (Oficial Fantàstic en competición)

El cine coreano tiene entre sus filas las que son probablemente las mejores películas sobre la venganza. El ejemplo más puntero, la trilogía de Park Chan-wook (Sympathy for Mr. Vengeance, Oldboy y Sympathy for Lady Vengeance) a pesar de repartir el protagonismo entre dos hombres y una mujer, el tipo de venganza que proponen es de lo más masculina: frenéticas, testosterónicas, hiperviolentas. En cambio, Bedevilled es todo lo contrario. La historia se desentrelaza pausada, doliente. Las dos protagonistas son personajes que han sufrido la violencia masculina, pero la chica de ciudad, culta e independiente, puede encontrar válvulas de escape que a la mujer de pueblo se le niegan. Por eso es la campesina, de la que abusan todos los que la rodean, y en cierta medida incluso su amiga de la infancia que huye de Seúl, es la que no puede hacer nada más que no sea revolverse y enfrentarse a todo lo que se mueve a su alrededor. Y hasta esa venganza que arranca desde la más dolorosas de las pérdidas, la muerte de un hijo, es muy femenina, casi delicada a pesar de surgir de una hoz afilada. Está claro que éste es el año de las venganzas en el Festival de Sitges, y hay que reconocer que ésta película es una de las que más destaca en este ámbito.

Let me In (Oficial Fantàstic Galas)

Con la presencia del director Matt Reeves y los actores Kodi Smit-McPhee y Chloe Moretz

Parte de un gran handicap: ser un remake de una gran película que se estreno poco tiempo antes. Y aún teniendo es cuenta este punto, Let me In sigue siendo una magnífica película. Funciona en muchos aspectos tanto o más que la versión sueca, ya que siendo igual casi plano a plano, no adolece de la relativa falta de ritmo de la versión original (que se podría decir que era una película demasiado sueca). Otra cosa en la que me parece que la versión es superior es en la acertadísima elección de los dos niños protagonistas. La relación que muestran en pantalla es tierna y muy creíble, cosa que no funcionaba tan bien con la frialdad de la película nórdica. Por lo demás, hay que reconocer que es bastante menos correcta que innecesaria. Quizá si hubiera tardado unos años más en realizarse, y la distancia con la película anterior hubiera sido superior, la acogida entre los espectadores del Festival hubiera sido más cálida. De todas formas, es una lástima que acabe convirtiéndose en la más popular de las dos visiones, simplemente por ser la norteamericana.

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(con retraso) Desde Sitges10... (VIII)

2010-10-18T19:29:00.005+02:00

Jueves 14

We are the Night (Oficial Fantàstic en competición)

Película que se lleva el poco honarable título de ser la única proyección de la que me salido en plena sesión. No es que fuera esencialmente horrible, pero a estas alturas ya no tengo por qué aguantar más ristras de tópicos sin sentido de la cinematografía. Y menos si resulta una película de vampiros, inspirada sin mucho rubor en El Ansia, y con toques de Sexo en Nueva York. Fui aguantando porque resultó que algunas de las elecciones en el apartado musical fueron bastante interesantes, pero no pienso pasar por que me engañen y me vendan que las vampiras liberadas pueden hacer lo que quieran a nivel de drogas y sexo, cuando me evitan cualquier escena que pueda comprometer su calificación por edades.

Monsters (Oficial Fantàstic en competición)

A pesar de tener errores argumentales de un tamaño considerable (por ejemplo, que después de 6 años de invasión alienígena de Mexico, parece que los yankees de turno descubren por primera vez los monstruos y las defensas norteamericanas, al perderse por el país que tienen al sur) la película se deja querer. Dos jovenes intentan volver a su país después del cierre de las fronteras mexicanas. Mientras cruzan la zona infectada, van descubriendo el amor, y nos descubren a nosotros a unos extraterrestres en forma de pulpo gigante la mar de monos. No da para mucho más, pero la historia se explica de una forma tan despreocupada que no puedes evitar sentir algo de apego por ella.

A Serbian Film (Oficial Fantàstic Panorama)

Enorme decepción. Y no porque sea desagradable, o demasiado explícita en ocasiones. Es más bien un tema de que es muy mala cinematográficamente hablando, con recursos de guión de esos que deberían estar prohibidos (cada guionista que haga que su protagonista recuerde una escena de la noche que ha olvidado a través del visionado una cinta de vídeo, debería ser flajelado con tiras de su propia piel). Y además, las ínfulas de su director, intentando colarle a los medios su engendro como si fuera una película política, de denuncia social, y demás mosergas, no hacen más que reducir su propuesta a la más mínima de las naderías. Sin tanto falso trasfondo teórico, con menos ínfulas, y si no se tomara tan en serio a sí misma, podría haber sido un éxitazo en una sesión de Midnight X-trem. Pero claro, eso no le otorgaría a su director una publicidad tan evidente, que le permitirá rodar su siguiente chorrada con muchos más medios.

Mars (Anima't)

Con la presencia de su director Geoff Marslett

Divertida cinta de animación por rotoscopia. Humilde y diría que adorable, cuenta la historia de un viaje a la luna tan bienintencionado como absurdo. Y todo en esta cinta encaja en esa descripción de la historia, tanto el estilo visual: cómico, de colores brillantes y peinados irrisorios, como la poca profundidad de la trama. La cosa es que tampoco importa mucho. Es una película perfecta para pasar un rato agradable y sin complicaciones, aunque se le podría pedir bastante más.

Easy Money (Oficial Fantàstic en competición)

Con la presencia de parte del equipo

Otra de las películas metidas en la sección oficial fantàstic con calzador. Easy Money arranca un poco como Twelve, pero evoliuciona en una mucho mejor película. De echo acaba siendo una historia impecable de corrupción y delicuencia muy bien llevada, de esas que no aburren a pesar de la demasiada longitud de su metraje. Muchos personajes, muchas historias muy bien enlazadas, y un final muy apropiado y nada generoso que permite creer aún en que al cine todavía le quedan historia que contar bien. Si tiene la suerte de estrenarse (no sé por qué, pero no confío este año en la influencia positiva del Festival de Sitges), no dudo de que será un éxito de taquilla (si es que ese concepto aún queda en pie en estos tiempos que vivimos)

Ya sólo quedan dos días, prometo tenerlos listos lo antes posible.

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